1 Mediterráneo
2 Aquellas Pequeñas Cosas
3 La Mujer Que Yo Quiero
4 Pueblo Blanco
5 Tío Alberto
6 Qué Va A Ser De Ti
7 Lucia
8 Vagabundear
9 Barquito De Papel
10 Vencidos
Es quizás el disco mas emblemático de Joan Manuel Serrat. Tras anunciar una retirada temporal en julio de 1971, y después de una disputa con su manager Lasso de la Vega, comienza a componer las canciones, después en octubre marcha a Milán para comenzar las grabaciones. En un principio eran doce canciones, pero finalmente quedo reducido a diez. Sale a la venta a finales de año y ocupa durante muchas semanas el numero uno entre los discos mas vendidos. En mayo de 1972 recibe un LP de oro, por las ventas extraordinarias del álbum, estando por mas 20 semanas en el numero uno de las ventas españolas.
(Tomado del sitio oficial del artista)
2. JUAN Y JUNIOR “JUAN Y JUNIOR” 1967
Juan y Júnior dejan Los Brincos en 1967 y forman el dúo “Juan & Júnior”. Desde el primer single todas sus canciones alcanzan los primeros puestos. Amplían sus ventas a Italia (graban para la SAR en italiano) e Inglaterra (graban para la CBS en inglés canciones como The Chase, Nothing, To Girls, Anduriña,...).Culminan su corta carrera con una película, “Juan & Júnior en un mundo diferente”, de Pedro Olea rodada en Santiago de Compostela. El dúo dura sólo un año y medio. Sus carreras se bifurcan porque Júnior quiere cantar en solitario y dedicarse al cine.
Juan inicia su carrera en solitario y comienza a producir y componer a otros artistas como Fórmula V, Andrés Dobarro y un largo etcétera que incluye nombres tan conocidos de la música española como Peret, Camilo Sesto, Pecos y Rocío Jurado.La corta, pero sonora carrera de Juan & Júnior se resume en un LP con 12 temas.
Juan y Júnior dejan Los Brincos en 1967 y forman el dúo “Juan & Júnior”. Desde el primer single todas sus canciones alcanzan los primeros puestos. Amplían sus ventas a Italia (graban para la SAR en italiano) e Inglaterra (graban para la CBS en inglés canciones como The Chase, Nothing, To Girls, Anduriña,...).Culminan su corta carrera con una película, “Juan & Júnior en un mundo diferente”, de Pedro Olea rodada en Santiago de Compostela. El dúo dura sólo un año y medio. Sus carreras se bifurcan porque Júnior quiere cantar en solitario y dedicarse al cine.
Juan inicia su carrera en solitario y comienza a producir y componer a otros artistas como Fórmula V, Andrés Dobarro y un largo etcétera que incluye nombres tan conocidos de la música española como Peret, Camilo Sesto, Pecos y Rocío Jurado.La corta, pero sonora carrera de Juan & Júnior se resume en un LP con 12 temas.
La caza
Nada
Tiempo de amor
Tiempo de amor
A dos niñas
Nos falta fe
Nos falta fe
Anduriña
Bajo el sol
Bajo el sol
Tres días
Para verte reír
Para verte reír
Lo que el viento se llevó
En San Juan
En San Juan
Ojos
Fueron un fenómeno social de la época. Dieron nombre a la famosa discoteca JJ de Madrid, y los medios del corazón de la época siguieron los escarceos de los dos guapos jóvenes en pos de las, también famosísimas, estrellas del cine musical: Marisol y Rocío Durcal. Juan salía con Rocío y Júnior con Marisol. Pero, cosas del destino, sería Júnior quien finalmente contraería matrimonio con Rocío Durcal constituyendo una familia feliz hasta nuestros días.El año y medio que estuvieron juntos fue un tiempo intenso de actuaciones en directo y en televisiones, tanto en España como en el extranjero. Y podemos decir que nunca un grupo de tan corta duración ha dejado una huella tan fuerte en el recuerdo de la música española.El productor de las grabaciones inglesas fue Mike Smith, hombre de muchos éxitos en las listas del mundo y que en aquel momento producía a cantantes de fama internacional como The Tremeloes y George Fame.
(Tomado paginas de internet)
3. KEITH JARRET - "The Koln Concert" 1975
Es un disco que define perfectamente el placer de escuchar música. Improvisado totalmente por el autor aquel 25 de enero, encontrándose Jarrett en unas condiciones que no eran precisamente las ideales para el arte improvisatorio, ya que a una noche de insomnio debido a un fuerte dolor en su espalda hay añadir el hecho de que no pudo tocar en su piano de siempre, un Stenway.
El caso es que aún así, pudo dar un memorable concierto que, gracias a la técnica, a perdurado en el tiempo y ha podido ser disfrutado por todos los aficionados a la música. Tanto que incluso han sido editadas partituras con la música del concierto, algo que parece, como mínimo, antinatural, tratándose de música improvisada, espontánea.
Es un disco que define perfectamente el placer de escuchar música. Improvisado totalmente por el autor aquel 25 de enero, encontrándose Jarrett en unas condiciones que no eran precisamente las ideales para el arte improvisatorio, ya que a una noche de insomnio debido a un fuerte dolor en su espalda hay añadir el hecho de que no pudo tocar en su piano de siempre, un Stenway.
El caso es que aún así, pudo dar un memorable concierto que, gracias a la técnica, a perdurado en el tiempo y ha podido ser disfrutado por todos los aficionados a la música. Tanto que incluso han sido editadas partituras con la música del concierto, algo que parece, como mínimo, antinatural, tratándose de música improvisada, espontánea.
(texto de Onelio Perez)
4. SILVIO RODRIGUEZ - "Al final de este viaje..." 1978
2. La familia, la propiedad privada y el amor
3. Ojalá
4. La era está pariendo un corazón
5. Resumen de noticias
6. Debo partirme en dos
7. Óleo de mujer con sombrero
8. Aunque no esté de moda
9. Que se puede hacer con el amor
10. Al final de este viaje en la vida
Al final de este viaje es un
álbum del cantautor cubano Silvio Rodríguez. Este disco fue grabado acompañado únicamente de una guitarra e incluye canciones compuestas entre los años 1968 y 1970. Uno de los discos más directos de Silvio, sin utilizar arreglos ni adornos. Incluye algunos de los temas clásicos del cantautor, como "Ojalá", "Canción del elegido" y "Óleo de mujer con sombrero". Grabado en Madrid en 1978 y aparece como segundo en su discográfica, aunque el disco recoge canciones que fueron éxito en los primeros años de la década de los 70 como “La era esta pariendo un corazón” o las anteriormente citadas. Tal vez el que siempre debió ser el primer disco del trovador.
(Texto de Onelio Perez)
(Texto de Onelio Perez)
5. CAMARON DE LA ISLA - "Paris 1987" editado en 1999
1. Tus ojillos negros
2. Sonidos negros
3. Pañuelo a rayas
4. Como el agua
5. Yo pienso como el ciprés
6. Pañuelo a rayas 2
7. Mas duro que el acero
8. Titiritando de frío
9. Como el agua ( Imágenes en Paris)
1. Tus ojillos negros
2. Sonidos negros
3. Pañuelo a rayas
4. Como el agua
5. Yo pienso como el ciprés
6. Pañuelo a rayas 2
7. Mas duro que el acero
8. Titiritando de frío
9. Como el agua ( Imágenes en Paris)
Un disco lleno de arte y energía es este directo grabado en 1987 en París que incluye un CD Rom con las imágenes del concierto. El Cirque D´Hiver fue el escenario de este malabarista de las cuerdas vocales. Ya por aquella época le acompañaba Tomatito a la guitarra, quien recogería por este trabajo el Grammy al Mejor Disco de Flamenco 2000.
(Tomado de paginas de internet)
6. JOSE LUIS PERALES - "Nido de Agulas" 1981
1. Te quiero
2. Muchacho solitario
3. No soy uno más
4. Balada para una despedida
5. Pequeño superman
6. Veinte anos
7. Ella y el
8. Por ti
9. Mi soledad
10. No se, no se
11. Es la verdad
1. Te quiero
2. Muchacho solitario
3. No soy uno más
4. Balada para una despedida
5. Pequeño superman
6. Veinte anos
7. Ella y el
8. Por ti
9. Mi soledad
10. No se, no se
11. Es la verdad
Este disco que el autor titulo “Nido de águilas” en homenaje a su ciudad Cuenca, donde las casas “cuelgan” de las rocas como si fueran nidos. Es el disco que cronológicamente se ubica entre sus dos mas exitosos álbumes. Anterior a este de 1979 es “Tiempo de otoño” con éxitos como “Me llamas” “Un velero llamado libertad” “El amor” títulos que lanzaron al artista al estrellato mundial definitivo. Y el posterior, de 1982 es “Entre el agua y el fuego” que incluye su mega éxito “Y como es el” además de “Canción de otoño” “Por amor”. Lo que significa que estaba el artista en el momento cúspide de su carrera. Sin embargo, este álbum, que contiene el éxito “Te quiero” o “Ella y el” conserva la sencillez de sus primeros discos, además de unos arreglos que renovaban la sonoridad que anteriormente acompañaban a la pequeña voz de este cantautor genial.
(texto de Onelio Perez)
7. FITO PAEZ - "El amor despues del amor" 1992
1. El amor después del amor
2. Dos días en la vida
3. La veronica
4. Trafico en Katmandu
5. Petalo de sal
6. Sasha, Sissi y el circulo de baba
7. Un vestido y un amor
8. Tumbas de la gloria
9. La rueda mágica
10. Creo
11. Detrás del muro de los lamentos
12. Balada de donna Helena
13. Brillante sobre el mic
14. La rodar la vida
El amor después del amor es el octavo álbum del músico argentino Fito Páez, editado en 1992. Todos los temas son de letra y música de Fito Páez, excepto La rueda mágica, cuya música fue compuesta por Fito Páez en colaboración con Charly García.
Las letras y tónica de las canciones están claramente influidas por dos hechos importantes en la vida sentimental del cantautor: la separación con la reconocida cantante Fabiana Cantilo y el comienzo de una relación que duraría varios años con la también muy popular actriz argentinaCecilia Roth. El nombre del álbum y del primer corte representan justamente esa situación. También se vio inspirado en películas o situaciones cinematográficas (Dos días en la vida inspirada en la película Thelma & Louise, y La Verónica, la historia de amor de dos actores). Por otra parte, muchos consideran a Un vestido y un amor una de las mejores canciones del rock argentino.
El amor después del amor significó un claro quiebre en la vida del artista, consagrándolo como uno de los más importantes rockeros de su país y de Latinoamérica. También implicó un cambio en el estilo de música, mucho más inclinado al pop, situación que se acentuaría en su siguiente álbumCirco Beat; aunque algunas canciones todavía del álbum tienen un marco de ira o canción de protesta, muchos admiradores de su música aseguran que el cambio de estilo significaría un mal paso del cual nunca pudo volver atrás.
El disco se convirtió en record de ventas en Argentina.- 750.000 unidades se llegaron a contabilizar en su momento de mayor auge, pero se estima que a la fecha, la cifra superaría el millón de discos vendidos.-
Además, éste disco le ha dado distintas satisfacciones a su autor en el año 1993.- Fue catalogado como “Mejor Disco”,“Mejor solista” y “Mejor show en Vélez” por los diarios “Clarín” y “Página 12”., obtuvo el premio a mejor video con la canción “Tumbas de la gloria”, Y fue nominado para ser nombrado “Ciudadano Ilustre” de la ciudad de Rosario.-
1. El amor después del amor
2. Dos días en la vida
3. La veronica
4. Trafico en Katmandu
5. Petalo de sal
6. Sasha, Sissi y el circulo de baba
7. Un vestido y un amor
8. Tumbas de la gloria
9. La rueda mágica
10. Creo
11. Detrás del muro de los lamentos
12. Balada de donna Helena
13. Brillante sobre el mic
14. La rodar la vida
El amor después del amor es el octavo álbum del músico argentino Fito Páez, editado en 1992. Todos los temas son de letra y música de Fito Páez, excepto La rueda mágica, cuya música fue compuesta por Fito Páez en colaboración con Charly García.
Las letras y tónica de las canciones están claramente influidas por dos hechos importantes en la vida sentimental del cantautor: la separación con la reconocida cantante Fabiana Cantilo y el comienzo de una relación que duraría varios años con la también muy popular actriz argentinaCecilia Roth. El nombre del álbum y del primer corte representan justamente esa situación. También se vio inspirado en películas o situaciones cinematográficas (Dos días en la vida inspirada en la película Thelma & Louise, y La Verónica, la historia de amor de dos actores). Por otra parte, muchos consideran a Un vestido y un amor una de las mejores canciones del rock argentino.
El amor después del amor significó un claro quiebre en la vida del artista, consagrándolo como uno de los más importantes rockeros de su país y de Latinoamérica. También implicó un cambio en el estilo de música, mucho más inclinado al pop, situación que se acentuaría en su siguiente álbumCirco Beat; aunque algunas canciones todavía del álbum tienen un marco de ira o canción de protesta, muchos admiradores de su música aseguran que el cambio de estilo significaría un mal paso del cual nunca pudo volver atrás.
El disco se convirtió en record de ventas en Argentina.- 750.000 unidades se llegaron a contabilizar en su momento de mayor auge, pero se estima que a la fecha, la cifra superaría el millón de discos vendidos.-
Además, éste disco le ha dado distintas satisfacciones a su autor en el año 1993.- Fue catalogado como “Mejor Disco”,“Mejor solista” y “Mejor show en Vélez” por los diarios “Clarín” y “Página 12”., obtuvo el premio a mejor video con la canción “Tumbas de la gloria”, Y fue nominado para ser nombrado “Ciudadano Ilustre” de la ciudad de Rosario.-
(Tomado de Wikipedia en internet)
8. Simon and Garfunfel “Bridge Over Troubled Water” 1970
Bridge Over Troubled Water es el quinto y último álbum de estudio de Simon and Garfunkel. Inicialmente publicado el 26 de enero de 1970. Se emplearon cerca de 800 horas de grabación para su elaboración. El álbum cosechó un éxito mundial, vendiendo, solamente en Estados Unidos, cerca de ocho millones de copias, y alrededor de veinte millones en todo el mundo. Alcanzó lo más alto en las listas de la revista Billboard y se mantuvo durante 10 semanas, y ganó el premio Grammy al Mejor álbum del año, y Mejor equipo de sonido, mientras que el tema que da título al álbum ganó el premio a la Mejor canción del año, en la entrega de premios de 1971.
Después de este álbum, el dúo, aunque no oficialmente, estaba disuelto. Art Garfunkel continuó con su carrera cinematográfica y Paul Simon inició su etapa como solista. En el año 2003, el álbum ingresó en el puesto 51 de la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
(Tomado de Wikipedia en internet)
1. Bridge Over Troubled Water
2. El Condor Pasa (If I Could)
3. Cecilia
4. Keep The Customer Satisfied
5. So Long, Frank Lloyd Wright
5. So Long, Frank Lloyd Wright
6. The Boxer
7. Baby Driver
8. The Only Living Boy In New York
9. Why Don'T You Write Me
10. Bye Bye Love
11. Song For The Asking
9. Mecano “Descanso Dominical” 1988
El disco fue grabado en los estudios Abbey Road y R.G. Jones Studios de Londres y en los Trak, Fairlight y Eurosonic de Madrid.
De éste trabajo discográfico se extrajeron seis singles. El primero fue No hay marcha en Nueva York, cuyo sonido rememora el swing de los temas orquestales de los años 50, con el uso del saxofón y la batería tocada con escobillas, junto con agradables armonías vocales. En el lado B figuraba Laika.
El segundo sencillo en ser promocionado fue Los amantes, tema en el que la voz de Ana Torroja alcanza altos registros, con Fábula en la cara B.
Los singles tercero y cuarto, promocionados simultáneamente, fueron los de los temas Mujer contra mujer y Un año más. La primera canción es una reflexión sobre el lesbianismo que invita al respeto. El segundo tema nos habla de la celebración de la nochevieja en la Puerta del Sol madrileña, con un humorístico estribillo en el que se hace referencia a la habitual confusión a la hora de tomar las uvas acompasadamente con las campanadas del reloj, ya que suelen confundirse ástas con los cuartos, cuatro tañidos dobles que se tocan previamente. Ambas canciones se comenzaron a promocionar el día 5 de diciembre de 1988 y sus respectivas caras B fueron Hermano Sol, hermana Luna y el instrumental Por la cara.
Mujer contra mujer, tema del que existe una maqueta previa con el título La bola de pelo pero con una letra muy similar, ha sido sin lugar a dudas la canción del disco que más éxito tuvo, y probablemente de toda la historia del grupo. Sus versiones en francés e italiano fueron números uno en los respectivos países, como también lo fue, con un éxito arrollador, en prácticamente todos los países de Latinoamérica, hecho especialmente remarcarcable en los casos de Chile, Cuba, Ecuador, Puerto Rico y Nicaragua, donde la homosexualidad estaba castigada en ese momento en sus respectivos códigos penales. También en México la canción fue prohibida en un principio, pero el éxito obligó a levantar el veto.
Desde el primer día de su lanzamiento el tema se vio envuelto en la polémica y la iglesia católica llegó a amenazar con excomulgar a los integrantes del trío por tratar un tema que consideraba inmoral. También el videoclip de la canción, realizado en 1989, tuvo problemas de censura: en República Dominicana fue vetado de acuerdo a las leyes del espectáculo, que prohíben los vídeos musicales relacionados con la homosexualidad o la bisexualidad. No obstante, también fue un éxito, reclamado por los televidentes en la mayoría de países de América Latina.
El tema ha servido de inspiración a otros grupos y cantantes, como los alemanes Rammstein, quienes compusieron un tema titulado Mann gegen Mann ("Hombre contra hombre"), incluido en el álbum Rosenrot, o el italo-venezolano Franco De Vita, quien basó su tema Rosa y clavel en el éxito de Mecano.
El quinto single fue el tema La fuerza del destino, una canción de tema romántico con un ritmo lento compuesta por Nacho Cano y dedicada a su antigua novia, la escritora Coloma Fernández Armero. En el videoclip hizo su primera aparición como actriz Penélope Cruz. El lado B fue El cine.
El sexto single fue El blues del esclavo. El tema, que en realidad no es ni un blues ni un tango, pretende ser, en palabras de José María Cano, su autor, "una desfiguración humorística del hecho histórico del final de la esclavitud en E.E.U.U.: sin ninguna relación con las actuales reivindicaciones raciales de los negros, que respetamos profundamente como admiramos la figura de Martin Luther King". De uno de sus versos se extrajo el título del álbum. Cuando se publicó este single en Francia y en México se hizo con unas versiones reducidas del tema, distintas a la española y también entre ellas. En la cara B iba el tema Héroes de la Antártida.
Descanso dominical en un principio iba a ser un álbum doble, ya que el grupo tenía suficiente material para ello, pero al final se decidió que fuera un sencillo. Entre los temas descartados se encuentra Cristóbal Colón, compuesto por Nacho Cano y del que sólo hay grabaciones provenientes de programas de radio especiales dedicados al grupo (con sonido sucio, voces de locutor y sintonía del programa). Otros temas grabados por el grupo durante las sesiones de estudio para la grabación del álbum en 1988 y que finalmente fueron descartados para su edición son Lía, en su versión original, El romance de la niña María Luz y otros temas como La Guerra, El reggae de Peggy, Corre Sebastián o El caballo de Espartero, todos ellos compuestos por José María Cano, entre otros temas de su hermano de los que no se tiene constancia, y a los que finalmente no se dio la producción final para haber sido incluidos en este quinto trabajo. Todos ellos englosan el abultado, y magnífico, material inédito del grupo que quizá algún día llegue a ver la luz en alguna edición especial.
1. El cine
2. No hay marcha en Nueva York
3. Mujer contra mujer
4. Los amantes
5. La fuerza del destino
6. Quédate en Madrid
7. El blues del esclavo
8. "Eungenio" Salvador Dalí
9. Por la cara
10. Un año más
11. Héroes de la Antártica
(Tomado de Wikipedia en internet)
10. Joaquin Sabina “19 dias y 500 noches” 1999
1. Ahora que...
2. 19 días y 500 noches
3. Barbi Superstar
4. Una canción para la Magdalena
5. Dieguitos y Mafaldas
6. A mis cuarenta y diez
7. El caso de la rubia platino
8. Donde habita el olvido
9. Cerrado por derribo
10. Pero qué hermosas eran
11. De purísima y oro
12. Como te digo una "co" te digo la "o"
13. Noches de boda
Este disco divide la obra de Joaquín Sabina en dos partes fundamentales, lo anterior a este trabajo y lo posterior. Sin duda el disco mejor logrado, o el mas redondo de toda su obra. En su primera etapa, desde “Inventario” 1978 hasta “Hotel dulce hotel” 1987 sus primeras producciones pasan con mas o menos éxito en España y especialmente entre la movida Madrileña de los años 80, destacándose el disco en directo junto a Javier Krahe y Alberto Pérez “La Mandrágora” 1981. A partir de “El hombre del traje gris” 1988 es cuando comienza la etapa de éxito global de Sabina, temas como “?Quien me ha robado el mes de abril?” o “Besos en la frente” “Nacidos para perder” lo colocan en un privilegiado eslabón de la cancionistica española, pero no es hasta “Mentiras piadosas” 1990 que da el salto a América toda y da la vuelta al mundo con sus nuevas composiciones “Eclipse de mar” “Y si amanece por fin” “Con la frente marchita” o “Medias negras” son los temas estelares del álbum, con el cual llega a todo el mundo el efecto Sabina con todos sus anteriores trabajos. Los siguientes discos lo hacen permanecer constante en el privilegio del publico hispano. Después del fracasado disco “Enemigos íntimos” 1998 (aunque a mi me parece un trabajo genial) llega “19 días y 500 noches” con la voz desgarrada y rota, y quizás mas poético que en sus anteriores textos, con melodías mas alejadas del rock y mas cercanas al flamenco o a la canción de autor, marca este trabajo las pautas de sus posteriores obras hasta la fecha. El disco que vende más de 500.000 copias en España y que le hace ganar cuatro de los Premios de la Música de la Sociedad General de Autores de España (SGAE) del año 2000, además del Premio Ondas a la mejor canción.
(texto de Onelio Perez)
11. Charly Garcia “Parte de la religión” 1987
.jpg)
1. NECESITO TU AMOR2. BUSCANDO UN SIMBOLO DE PAZ
3. PARTE DE LA RELIGION
4. RAP DE LAS HORMIGAS
5. ADELA EN EL CARROUSELL
6. NO VOY EN TREN
7. REZO POR VOS
8. EL KARMA DE VIVIR AL SUR
9. ELLA ADIVINO
10. LA RUTA DE TENTEMPIE
En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián Quintiero y Alfi Martins en teclados y nuevamente Fabiana Cantilo en los coros. Los temas “Necesito tu amor” o “Buscando un símbolo de paz” sendos éxitos imprescindibles dentro da la obra de Charly. Las melódicas “Parte de la religión” o “Adela en el carrousell” y “El karma de vivir al sur” que tocan un lirismo poético de gran belleza, o la súper versionada “No voy en tren” tema seleccionado como ejemplo de los mejores temas del rock en español. Y tal vez los de mayor éxito recaigan en “Rezo por voz” de Garcia y Spinetta, Es de destacar en este trabajo la fusión de diferentes estilos que van desde el Rap hasta ligeros toques asiáticos, combinando baladas y rock, todo con unos textos que poéticamente difieren de trabajos anteriores y sirven de antesala a trabajos posteriores.Indiscutiblemente este álbum sitúa a su autor en lo mas alto de su carrera a nivel internacional. Pocos discos como este, logran ser en si mismos, como un grades éxitos del artista, ya que la mayoría de los temas siempre están presentes en los recopilatorios y directos de su obra.
12. Bebo Valdés & Cigala “Lagrimas negras” 2003
1. Inolvidable2. Veinte años
3. Lágrimas negras
4. Nieblas dek riachuelo/
5. Corazón loco
6. Se me olvidó que te olvidé
7. Vete de mi
8. La bien pagá
9. Eu sei que vou te amar
HISTORIA DEL DISCO
El pianista Bebo Valdés y el cantaor Diego el Cigala publican el disco 'Lágrimas negras', producido por Fernando Trueba. Lágrimas negras es el título de una canción compuesta en los años 30 por el cubano Miguel Matamoros (1894-1971) y que permanece en las memorias: "Aunque tú me has dejado en el abandono / aunque tú has muerto todas mis ilusiones...".
El álbum Lágrimas negras es un proyecto de Calle 54 Records, con Fernando Trueba al frente, lo que significa que es una historia de sentimientos apasionados. El de Fernando Trueba hacia la música latina es de dominio público desde que dirigió el filme Calle 54, reflejo de una pasión vital. El flechazo de Diego el Cigala con Bebo Valdés y la canción Lágrimas negras lo cuenta el cineasta en su particular "diario de sesiones" de la grabación que documenta y enriquece este disco, como lo enriquece y documenta el texto escrito por Ángel González. "Es una extraordinaria amalgama en la que la canción antillana suena a cante, y al revés", dice el poeta ovetense.
Estos apasionamientos encadenaron otros y el resultado es el disco de un pianista cubano de 84 años y un cantaor español 50 años más joven. El álbum contiene nueve canciones que son clásicos, con la participación de músicos de primerísima fila. El contrabajista Javier Colina y el percusionista Piraña dejan su sello en casi todas las canciones. Pero en Lágrimas negras, canción que da título al disco, aparece el saxo de Paquito D'Rivera y la percusión de lujo de Tata Güines, Changuito y Pancho Terry. También hay boleros como Inolvidable, Se me olvidó que te olvidé o el Corazón loco popularizado en su día por Antonio Machín y hoy recreado con Niño Josele a la guitarra flamenca.
El brasileño Caetano Veloso recita Coraçao vagabundo (una de sus primeras canciones) en Eu sei que vou te amar, de Vinicius de Moraes y Antonio Carlos Jobim. Dentro del repertorio latinoamericano, se incorpora una copla como La bien pagá con coros cubanos (Milton Cardona, Puntilla y Pedrito Ramírez), y también hay homenajes a Bola de Nieve (Vete de mí) y recuerdos a Argentina (Niebla del riachuelo) con el violín del uruguayo Federico Britos. Y siempre el piano de Bebo y la voz de Diego. Dos grandes.
Bebo Valdés es una figura capital de la música latina. Nació en Quivicán (Cuba) en 1918 y su carrera comenzó como pianista en la orquesta de Julio Cueva antes de pasar a Tropicana, bajo la dirección de Armando Romeu. Ya no paró. En 1948, Bebo Valdés era director musical de este célebre cabaret. En 1952, el productor Norman Granz le encargó la grabación de la primera descarga de jazz cubano para satisfacer el interés que esta música despertaba en Nueva York. Por la orquesta de Bebo Valdés pasó un cantante llamado Beny Moré. Creó un nuevo ritmo, la batanga, reacción cubana al mambo. Fué director musical de Lucho Gatica...
En 1960, Bebo Valdés abandonó Cuba y desde 1963 vive en Estocolmo (Suecia). Durante 15 años trabajó como pianista en una cadena de hoteles hasta que en 1994, y después de 34 años sin grabar, Paquito D'Rivera le propuso un nuevo disco. Bebo Rides Again fue su reaparición. En este álbum, un Bebo de 76 años tocó el piano, compuso ocho canciones y arregló 11 temas en 36 horas. Casi nada. En 2001 participó en el filme Calle 54, de Fernando Trueba, interpretando Lágrimas negras con Cachao al contrabajo. En las mismas fechas, grabó en un día el disco El arte del sabor, con Cachao (83 años ambos) y Patato Valdés. Ahora toca con Diego el Cigala.
El tío de Diego Jiménez Salazar, artísticamente Diego el Cigala, (1968, Madrid) era Rafael Farina. De niño cantaba Diego por el Rastro madrileño y ganaba concursos de flamenco. A los 20 años, Camarón le rebautizó Dieguito y después trabajó con todos: el mismo Camarón, Tomatito, Gerardo Núñez y los mejores bailaores y bailaoras. Hoy, Diego el Cigala es uno de los artistas más importantes del flamenco y su disco en directo en el Teatro Real, con la guitarra de Niño Josele a su vera, le ha situado en un lugar de privilegio. Diego es el cantaor más abierto de la actualidad. Trabaja habitualmente con el trompetista de jazz Jerry González. Su relación con Fernando Trueba ha sido fundamental: "Haberle conocido es un cambio en mi carrera", dice Diego. "Muere con la música y con el flamenco". De Bebo Valdés, otro tanto: "De Bebo lo he aprendido todo. Aprendes cada minuto que estás con él".
Bebo Valdés y Diego el Cigala han grabado un disco llamado Lágrimas negras. Habrá que escucharles. Detenida y apasionadamente, a ser posible.
Bebo Valdés y Diego el Cigala han grabado un disco llamado Lágrimas negras. Habrá que escucharles. Detenida y apasionadamente, a ser posible.
PREMIOS
Lluvia de premios para Diego el Cigala y Bebo Valdés. El cantaor madrileño y el pianista cubano arrasan en los Premios Amigo, concedidos por la industria discográfica española, con cuatro galardones para 'Lágrimas Negras'. Bebo Valdés ganó como mejor solista latino, Diego el Cigala como artista revelación y ambos como mejor grupo y mejor álbum flamenco. Estos premios se suman a la larga lista de distintinciones ya recibida por este trabajo que une el bolero y el flamenco, entre otras, mejor disco del año 2003 según el diario 'New York Times' y Premio Ondas 2003 a la obra más notoria en el mundo del flamenco. 'Lágrimas Negras' cuenta, además con un disco de platino, al haber superado las cien mil copias vendidas en España. Está previsto que en los próximos meses el disco sea editado en Estados Unidos.
(Tomado de paginas de internet)
13. Pedro Luis Ferrer “100% Cubano” 1994
100% cubano, además de ser mi primera experiencia en el soprte digital compacto, constituye la recopilación de un grupo de canciones que en su mayoría eran escuchadas en Cuba mediante grabaciones de muy baja calidad, a veces incluso ininteligibles. "Romance de la niña mala" (un poema que escribió mi tío Raúl Ferrer en el año 1941, al que musiqué y grabé por vez primera en el año 1973 con la EGREM) es la única que contaba con una grabación de calidad. Decidí volver a grabarla porque no me sentía plenamente satisfecho con la interpretación de entonces.
(Pedro Luis Ferrer, en Changuisa)
Además de estas palabras sobre el disco en cuestión hay que destacar que este disco reúne no solo las canciones de Pedro, reúne una época, un momento, es la huella, el testigo sonoro de lo sucedido en Cuba en pleno periodo “especial” especialmente desastroso y terrible. Este disco al igual que “Como los peces” de Carlos Varela, son la banda sonora de la Cuba de los primeros años 90’s, después de la caída del bloque comunista de los países de este, simbolizado en el derribo del muro de Berlín. Este es el mejor ejemplo de cuando los artistas además de crear un arte de calidad excepcional, es también cronista de su época y de su momento, y pone en su voz y su obra, toda la transparencia y toda la libertad creadora que necesita el verdadero artista, sin pensar en consecuencias.
Recuerdo aquella canción de Pablo Milanes que decía “Pobre del cantor de nuestros días, que no arriesga sus cuerdas, por no arriesgar su vida”. A este disco le anteceden conciertos en diferentes sitios de La habana, donde se creaba un ambiente colectivo de ansias de libertad y se respiraba la tensión en el aire, de los oficialistas y uniformados ideológicos del régimen, que tragaban con mal gusto cada palabra, caga acorde y cada aplauso. Especialmente aquel concierto del cine Acapulco que yo presencie, donde han comentado que se trato hasta de suspender la función, y hubo gran tensión detrás del escenario.
Canciones hoy ya emblemáticas, como “100% cubano” -"Como que mi Cuba es ciento por ciento cubana / mañana reservaré el mejor hotel de La Habana / luego me iré a Varadero, a separar una casa / con este dinero mío, que me lo gané en la zafra"-. O la mitica “Abuelo Paco”, que construyó un edificio con ayuda de todos, pero ahora no admite que nadie haga cambios -"Aunque sepas que no, / dile que sí, / si lo contradices, / peor para ti"
A estas se suman “Amigo palero” “Marucha la jinetera” “El tiene el delirio de amar varones” “La Habana esta poblada de consignas” “Cadena de pájaros” y las hermosas “Que misterio hay en ti” o “El caballero de Paris” completan esta propuesta casi artesanal del autor de Mariposa o La vaquita Pijirigua.
(texto de Onelio Perez)
14. Jorge Drexler “Eco” 2004
Jorge Drexler crea con cosas simples y sencillas obras maestras, genial con los sonidos, impecable en la ejecución musical y con unos textos y un tono de voz que armoniza con cada una de sus canciones.
El disco “Eco” que aparece como séptimo en su discográfica, en 2004, con sus 11 canciones iniciales.
Y digo “iniciales” pues en 2005 aparece la reedición como “Eco 2”, pero que incluye tres bonus, uno de los cuales es "Al otro lado del río" que lo hizo merecedor de un Oscar como Mejor Canción Original por la película "Diarios de Motocicleta".
1.- Eco
2.- Deseo
3.- Todo Se Transforma
4.- Guitarra Y Voz
5.- Transporte
6.- Milonga Del Moro Judío
7.- Polvo De Estrellas
8.- Se Va, Se Va, Se Fue
9.- Don De Fluir
10.- Fusión
11.- Salvapantallas
12.- Al Otro Lado Del Río (*Bonus)
13.- Oda Al Tomate (*Bonus)
14.- El Monte Y el Río (*Bonus)
2.- Deseo
3.- Todo Se Transforma
4.- Guitarra Y Voz
5.- Transporte
6.- Milonga Del Moro Judío
7.- Polvo De Estrellas
8.- Se Va, Se Va, Se Fue
9.- Don De Fluir
10.- Fusión
11.- Salvapantallas
12.- Al Otro Lado Del Río (*Bonus)
13.- Oda Al Tomate (*Bonus)
14.- El Monte Y el Río (*Bonus)
El disco en si, tan bueno como todos los del artista, se distingue precisamente por que tiene el “Don de fluir” como dice una de las canciones del mismo. Y esto es muy importante en un trabajo discográfico, que el mismo avance sin tropiezos molestos para el receptor de la obra. Cuando disfrutas de un disco y lo pones y sin darte cuenta avanza y casi sin darte cuenta estas ya en los últimos track’s del mismo, es que fluye la música, la poesía, en una total armonía.
(texto de Onelio Perez)
(texto de Onelio Perez)
15. GEORGE HARRISON – “ALL THINGS MUST PASS” (1970)
Sencillamente uno de los mejores discos que podemos escuchar en nuestras vidas, con una colección de canciones verdaderamente únicas. Cada una con personalidad y brillo propio. Para muchos el mejor disco de un beatle como solista. Y no es para menos, la calidad de las canciones que escuchamos en este disco no creo que se las pueda encontrar en ningún otro. Inspiración pura de el gran George Harrison.
Bob Dylan en una entrevista menciona que George estaba destinado a estar entre los grandes, inclusive sin la ayuda de The Beatles, ya que la calidad de las composiciones de Harrison y su persona daban para que llegue a la cima. Por supuesto Bob no se equívoco, con este álbum George demostró que su calidad como compositor estaba a unos niveles hasta por encima de sus compañeros beatlescos Paul McCartney y John Lennon. Dejó de estar a la sombra y dejó de ser el beatle callado, este disco fue todo un manifiesto, un grito enorme que dejó en silencio a los críticos musicales que no pudieron hacer más que aplaudir la majestuosidad del álbum.
Muchas de las canciones que conforman este disco fueron escritas para discos de The Beatles, pero casi siempre eran descartadas para incluir canciones Lennon/McCartney. Una pena y una bendición para George. Pena porque este rechazo lo hacía sentir devastado y bendición porque cada vez que una obra era rechazada, escribía una 10 veces mejor y las guardaba. Hasta que por fin gran número de aquellas composiciones “defectuosas” para sus compañeros, vieron la luz en este disco y se han convertido en clásicos absolutos. Uno de los ejemplos de esto es la increíble ‘Isn’t it a pity’ escrita por George en 1966 y rechazada por John Lennon.
Para la grabación del disco, George contó con colaboraciones estelares, entre las que se cuentan: Ringo Starr, Badfinger, Eric Clapton e integrantes de Derek And The Dominos, los tecladistas Billy Preston, Gary Brooker (de Procol Harum), Gary Wright y se dice que hasta el mismísimo Richard Wright de Pink Floyd. También Phil Collins antes de unirse a Genesis toca bongos en “Art of Dying”, y se encontraba un prometedor Peter Frampton, quedando fascinado por las pedaleras de George, que fue quién le mostró el talk boxluego, convirtiéndose luego en el sonido característico de Frampton. También Maurice Gibb de los Bee Gees y corre el rumor que hasta John Lennon se dió unas vueltas por el estudio. La producción estuvo a cargo del mismo George y para la co producción convocó al personaje Phil Spector, que había trabajado con The Beatles en Let It Be y que su “Pared de sonido” era tan famosa por aquellos tiempos. Phil, sin embargo hizo un uso indiscriminado de la reverb. Tiempo después se le preguntó a George lo que pensaba de la producción de Spector en el disco y dijo en forma de lamento: Mucho eco…
Original release
Side one
1. "I'd Have You Anytime" (Harrison, Bob Dylan) – 2:56
2. "My Sweet Lord" – 4:38
3. "Wah-Wah" – 5:35
4. "Isn't It a Pity (Version One)" – 7:10
Side two
1. "What Is Life" – 4:22
2. "If Not for You" (Dylan) – 3:29
3. "Behind That Locked Door" – 3:05
4. "Let It Down" – 4:57
5. "Run of the Mill" – 2:49
Side three
1. "Beware of Darkness" – 3:48
2. "Apple Scruffs" – 3:04
3. "Ballad of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)" – 3:48
4. "Awaiting on You All" – 2:45
5. "All Things Must Pass" – 3:44
Side four
1. "I Dig Love" – 4:55
2. "Art of Dying" – 3:37
3. "Isn't It a Pity (Version Two)" – 4:45
4. "Hear Me Lord" – 5:46
Side five (Apple Jam)
1. "Out of the Blue" – 11:14
2. "It's Johnny's Birthday" (Bill Martin, Phil Coulter, Harrison) – 0:49
3. "Plug Me In" – 3:18
4. Side six (Apple Jam)
5. "I Remember Jeep" – 8:07
6. "Thanks for the Pepperoni" – 5:31
2001 remaster
Disc one
Tracks 1−9 as per sides one and two of original issue, with the following additional tracks:
"I Live for You" – 3:35
"Beware of Darkness" (acoustic demo) – 3:19
"Let It Down" (alternate version) – 3:54
"What Is Life" (backing track/alternate mix) – 4:27
"My Sweet Lord (2000)" – 4:57
Disc two
Tracks 1−9 as per sides three and four of original issue, followed by the reordered Apple Jam tracks (for which all participants are believed to now be credited as composers also).
"It's Johnny's Birthday" (Martin, Coulter; new lyrics by Mal Evans, Harrison, Eddie Klein) – 0:49
"Plug Me In" (Eric Clapton, Jim Gordon, Harrison, Dave Mason, Carl Radle, Bobby Whitlock) – 3:18
"I Remember Jeep" (Ginger Baker, Clapton, Harrison, Billy Preston, Klaus Voormann) – 8:07
"Thanks for the Pepperoni" (Clapton, Gordon, Harrison, Mason, Radle, Whitlock) – 5:31
"Out of the Blue" (Al Aronowitz, Clapton, Gordon, Harrison, Bobby Keys, Jim Price, Radle, Whitlock, Gary Wright) – 11:16
Texto original de: http://thefaustorocksyeah.wordpress.com/2011/11/29/george-harrison-all-things-must-pass/
Sencillamente uno de los mejores discos que podemos escuchar en nuestras vidas, con una colección de canciones verdaderamente únicas. Cada una con personalidad y brillo propio. Para muchos el mejor disco de un beatle como solista. Y no es para menos, la calidad de las canciones que escuchamos en este disco no creo que se las pueda encontrar en ningún otro. Inspiración pura de el gran George Harrison.
Bob Dylan en una entrevista menciona que George estaba destinado a estar entre los grandes, inclusive sin la ayuda de The Beatles, ya que la calidad de las composiciones de Harrison y su persona daban para que llegue a la cima. Por supuesto Bob no se equívoco, con este álbum George demostró que su calidad como compositor estaba a unos niveles hasta por encima de sus compañeros beatlescos Paul McCartney y John Lennon. Dejó de estar a la sombra y dejó de ser el beatle callado, este disco fue todo un manifiesto, un grito enorme que dejó en silencio a los críticos musicales que no pudieron hacer más que aplaudir la majestuosidad del álbum.
Muchas de las canciones que conforman este disco fueron escritas para discos de The Beatles, pero casi siempre eran descartadas para incluir canciones Lennon/McCartney. Una pena y una bendición para George. Pena porque este rechazo lo hacía sentir devastado y bendición porque cada vez que una obra era rechazada, escribía una 10 veces mejor y las guardaba. Hasta que por fin gran número de aquellas composiciones “defectuosas” para sus compañeros, vieron la luz en este disco y se han convertido en clásicos absolutos. Uno de los ejemplos de esto es la increíble ‘Isn’t it a pity’ escrita por George en 1966 y rechazada por John Lennon.
Para la grabación del disco, George contó con colaboraciones estelares, entre las que se cuentan: Ringo Starr, Badfinger, Eric Clapton e integrantes de Derek And The Dominos, los tecladistas Billy Preston, Gary Brooker (de Procol Harum), Gary Wright y se dice que hasta el mismísimo Richard Wright de Pink Floyd. También Phil Collins antes de unirse a Genesis toca bongos en “Art of Dying”, y se encontraba un prometedor Peter Frampton, quedando fascinado por las pedaleras de George, que fue quién le mostró el talk boxluego, convirtiéndose luego en el sonido característico de Frampton. También Maurice Gibb de los Bee Gees y corre el rumor que hasta John Lennon se dió unas vueltas por el estudio. La producción estuvo a cargo del mismo George y para la co producción convocó al personaje Phil Spector, que había trabajado con The Beatles en Let It Be y que su “Pared de sonido” era tan famosa por aquellos tiempos. Phil, sin embargo hizo un uso indiscriminado de la reverb. Tiempo después se le preguntó a George lo que pensaba de la producción de Spector en el disco y dijo en forma de lamento: Mucho eco…
Original release
Side one
1. "I'd Have You Anytime" (Harrison, Bob Dylan) – 2:56
2. "My Sweet Lord" – 4:38
3. "Wah-Wah" – 5:35
4. "Isn't It a Pity (Version One)" – 7:10
Side two
1. "What Is Life" – 4:22
2. "If Not for You" (Dylan) – 3:29
3. "Behind That Locked Door" – 3:05
4. "Let It Down" – 4:57
5. "Run of the Mill" – 2:49
Side three
1. "Beware of Darkness" – 3:48
2. "Apple Scruffs" – 3:04
3. "Ballad of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)" – 3:48
4. "Awaiting on You All" – 2:45
5. "All Things Must Pass" – 3:44
Side four
1. "I Dig Love" – 4:55
2. "Art of Dying" – 3:37
3. "Isn't It a Pity (Version Two)" – 4:45
4. "Hear Me Lord" – 5:46
Side five (Apple Jam)
1. "Out of the Blue" – 11:14
2. "It's Johnny's Birthday" (Bill Martin, Phil Coulter, Harrison) – 0:49
3. "Plug Me In" – 3:18
4. Side six (Apple Jam)
5. "I Remember Jeep" – 8:07
6. "Thanks for the Pepperoni" – 5:31
2001 remaster
Disc one
Tracks 1−9 as per sides one and two of original issue, with the following additional tracks:
"I Live for You" – 3:35
"Beware of Darkness" (acoustic demo) – 3:19
"Let It Down" (alternate version) – 3:54
"What Is Life" (backing track/alternate mix) – 4:27
"My Sweet Lord (2000)" – 4:57
Disc two
Tracks 1−9 as per sides three and four of original issue, followed by the reordered Apple Jam tracks (for which all participants are believed to now be credited as composers also).
"It's Johnny's Birthday" (Martin, Coulter; new lyrics by Mal Evans, Harrison, Eddie Klein) – 0:49
"Plug Me In" (Eric Clapton, Jim Gordon, Harrison, Dave Mason, Carl Radle, Bobby Whitlock) – 3:18
"I Remember Jeep" (Ginger Baker, Clapton, Harrison, Billy Preston, Klaus Voormann) – 8:07
"Thanks for the Pepperoni" (Clapton, Gordon, Harrison, Mason, Radle, Whitlock) – 5:31
"Out of the Blue" (Al Aronowitz, Clapton, Gordon, Harrison, Bobby Keys, Jim Price, Radle, Whitlock, Gary Wright) – 11:16
Texto original de: http://thefaustorocksyeah.wordpress.com/2011/11/29/george-harrison-all-things-must-pass/
16. JAVIER RUIBAL – LO QUE ME DICE TU BOCA (2005)
1. Si No Me Besas
2. Habana Mía
3. Besos En Abril
4. La Bella Impaciente
5. Tráeme Canciones
6. A Favor De Tu Piel
7. Bendito Veneno
8. Pa' Mi Corazón
9. La Canción Del Contrabandista
10. Tu Nombre
11. Lo Que Me Dice Tu Boca
12. De Málaga Malagueñito
13. Fugitivos De Hamelin
14. Toda La Mar Por Delante
15. Atunes En El Paraiso
16. Para Llevarte A Vivir
DVD -Película Documental "Lo Que Me Dicen Tus Ojos"
Octavo de su carrera y sin duda el mejor, el mas redondo, tanto a nivel musical como en la composición de las letras. Una apuesta arriesgada y diferente ya que se grabaron en directo 16 temas inéditos.
Arropado por algunos de los mejores músicos de este país : Cuco Pérez , Víctor Merlo , John Parsons , Andreas Prirttwitz , Tito Alcedo... y la impecable producción musical de Javier López de Guereña.
Edición de lujo que contiene un CD con 16 temas inéditos grabados en directo en la sala Galileo Galilei de Madrid los días 29 y 30 de Septiembre. + DVD con la película documental sobre Javier “Lo que me dicen tus ojos” dirigida por Joaquín Petit .
Siempre me ha parecido de lo mas legítimo – incluso satisfactorio- el aprovechamiento del flamenco con fines musicales no estrictamente flamencos. Todo el trabajo creador de Javier Ruibal ha sido a este respecto de una ejemplar eficacia. Y de una muy inteligente penetración artística. Su personal estilo ha alcanzado una innegable madurez. Sobre todo en esa vertiente expresiva donde ciertos ritmos flamencos han ido adaptándose a las exigencias de la canción urbana. Creo que Javier Ruibal es , en ese sentido, uno de los máximos exponentes actuales de una forma de cantar – una manera de ser- donde la tradición popular andaluza ha sido recreada dentro de la mas atractiva modernidad.
texto de: J.M. Caballero Bonald
1. Si No Me Besas
2. Habana Mía
3. Besos En Abril
4. La Bella Impaciente
5. Tráeme Canciones
6. A Favor De Tu Piel
7. Bendito Veneno
8. Pa' Mi Corazón
9. La Canción Del Contrabandista
10. Tu Nombre
11. Lo Que Me Dice Tu Boca
12. De Málaga Malagueñito
13. Fugitivos De Hamelin
14. Toda La Mar Por Delante
15. Atunes En El Paraiso
16. Para Llevarte A Vivir
DVD -Película Documental "Lo Que Me Dicen Tus Ojos"
Octavo de su carrera y sin duda el mejor, el mas redondo, tanto a nivel musical como en la composición de las letras. Una apuesta arriesgada y diferente ya que se grabaron en directo 16 temas inéditos.
Arropado por algunos de los mejores músicos de este país : Cuco Pérez , Víctor Merlo , John Parsons , Andreas Prirttwitz , Tito Alcedo... y la impecable producción musical de Javier López de Guereña.
Edición de lujo que contiene un CD con 16 temas inéditos grabados en directo en la sala Galileo Galilei de Madrid los días 29 y 30 de Septiembre. + DVD con la película documental sobre Javier “Lo que me dicen tus ojos” dirigida por Joaquín Petit .
Siempre me ha parecido de lo mas legítimo – incluso satisfactorio- el aprovechamiento del flamenco con fines musicales no estrictamente flamencos. Todo el trabajo creador de Javier Ruibal ha sido a este respecto de una ejemplar eficacia. Y de una muy inteligente penetración artística. Su personal estilo ha alcanzado una innegable madurez. Sobre todo en esa vertiente expresiva donde ciertos ritmos flamencos han ido adaptándose a las exigencias de la canción urbana. Creo que Javier Ruibal es , en ese sentido, uno de los máximos exponentes actuales de una forma de cantar – una manera de ser- donde la tradición popular andaluza ha sido recreada dentro de la mas atractiva modernidad.
texto de: J.M. Caballero Bonald
17. ANA BELEN – LORQUIANA (1998)
Poemas.
1.Son de negros en Cuba (Federico García Lorca - Michael Camilo)
2.Romance de la pena negra (Federico García Lorca - Fito Páez)
3.Herido de amor (Federico García Lorca - Joan Manuel Serrat)
4.Pequeño vals vienés (Federico García Lorca - Leonard Cohen)
5.Nocturnos de la ventana (Federico García Lorca - Pedro Guerra)
6.Siete corazones (Federico García Lorca - Antonio García de Diego)
7.Romance de la Luna (Federico García Lorca - Chano Domínguez)
8.Canción tonta (Federico García Lorca - Kiko Veneno)
9.Muerto de amor (Federico García Lorca - José María Carmona - Antonio Carmona - Juan Carmona)
10.Por tu amor me duele el aire (Federico García Lorca - Javier Ruibal)
11.Canción del gitano apaleado (Federico García Lorca - Kiko Veneno)
12.Alma ausente (Federico García Lorca - Víctor Manuel San José)
Canciones
1.Los cuatro muleros (Popular española - Federico García Lorca)
2.Zorongo gitano (Popular española - Federico García Lorca)
3.La Tarara (Popular española - Federico García Lorca)
4.Anda jaleo (Popular española - Federico García Lorca)
5.Las tres hojas (Popular española - Federico García Lorca)
6.Sevillanas del siglo XVIII (Popular española - Federico García Lorca)
7.Los pelegrinitos (Popular española - Federico García Lorca)
8.Los mozos de Monleón (Popular española - Federico García Lorca)
9.Romance de Don Boyso (Popular española - Federico García Lorca)
10.Tres morillas o [Las morillas de Jaén] (Popular española)
11.En el café de Chinitas (Popular española - Federico García Lorca)
12.Nana de Sevilla (Popular española - Federico García Lorca)
Ana Belén habló por primera vez del proyecto “Lorquiana” cuando presentaba en Otoño de 1997 la pare latinoamericana de la gira “El gusto es nuestro”. Ana comentó durante aquella presentación que su próximo proyecto tras dicha gira sería un trabajo homenaje al poeta Federico García Lorca en su centenario, 1998, junto con los músicos Michel Camilo y Chano Domínguez. En efecto, Ana acababa de coincidir con ambos músicos en el midem Latino, a donde había acudido como estrella invitada para poner el broche de oro con su espectáculo “Mírame” en Septiembre de ese mismo año y esa feliz coincidencia dio origen al conceptualización de uno de los proyectos discográficos más originales y únicos de su carrera.
Con Chano Domínguez grabaría los clásicos populares que Lorca recopiló del cancionero popular, para posteriormente armonizar y tocar al piano. Ana los versionaría en clave de jazz, como Chano acababa de hacer junto a la voz de Martirio revisando la copla con arreglos de jazz en “Coplas de madrugada”. Con Michel Camilo haría otro disco en el que la poesía de Lorca estaría musicalizada según la visión novedosa de grandes figuras de la música pop y de autor del panorama nacional e incluso internacional del momento. A estos discos, además, les acompañaría una gira de teatros para presentar los dos discos en directo por toda España.
Cabe recordar que, en ese momento, Ana estaba atravesando una etapa triunfal en su madurez, después de dos discos en solitario exitosísimos (Mírame y Veneno para el corazón), dos giras colectivas y sus consecuentes álbumes en directo aún más exitosos si cabe (Mucho más que dos y El gusto es nuestro), 3 taquillazos en el cine (La pasión turca, Libertarias y El amor perjudica seriamente la salud) y una comedia musical en el teatro en la que Ana regresaba las tablas derrochando talento, glamour, humor y belleza y que fue también un éxito en toda regla. Con lo cual no es de extrañar que la compañía pusiera todos los medios y todo el interés en este trabajo, que se pensaría para salir al mercado en medio de la campaña navideña de 1998, época más comercial del año, con una agresiva campaña promocional, teniendo en mente que este homenaje se convirtiera otro bombazo en toda regla, a lo “Mucho más que dos” o “Mírame”.
En enero de 1998, Ana de vuelta de la gira por Latinoamérica, ya estaba preparándose para entrar al estudio a grabar las canciones populares junto a Chano Domínguez, cuando actuó durante una sola noche como estrella invitada en un homenaje a Lorca que por aquella época estaba haciendo Cristina Rota con su escuela de teatro. En el homenaje, Ana interpretó un desgarrado “Anda Jaleo” muy distinto al que estaba a punto de grabar en el estudio con arreglos de Jazz. Junto a “Anda Jaleo” versionarían, muchas veces voz e instrumentos grabados en directo, con improvisaciones y todo, con un trío de jazz temas tan populares y clásicos como “La tarara” o “Los cuatro muleros”. El disco que se grabó en aquellas sesiones se llamó “Lorquiana – canciones populares de Federico García Lorca” y durmió un dulce sueño hasta finales de año mientras se preparaba el otro volumen discográfico.
Este otro disco tuvo una preparación más dilatada porque los autores contactados (“La gente que a mí me gusta haciendo música”, contaba Ana) tenían que poner música a unos poemas de distintas época de Lorca que Ana hubiera elegido previamente por favoritos o por musicalizables. De esa manera, Ana dio varios poemas a cada autor para que eligieran el que más sentían para hacer canción y sólo a partir de ahí llegaría el trabajo de maquetación, arreglos, grabación de música, voz, producción, masterización, etc.… En concreto, Ana puso su voz las canciones en el verano de 1998, verano en el que también estuvo ocupada homenajeando a Kurt Weill junto a Miguel Ríos y la orquesta sinfónica de Granada dirigida por Josep Pons, en festivales como el de Perelada. Entre los autores contactados para musicalizar la poesía de Lorca: Serrat, Kiko Veneno, Fito Páez, Pedro Guerra, el productor Michel Camilo, el productor del otro volumen de Lorquiana Chano Domínguez, Ketama, Víctor Manuel, Javier Ruibal y Andrés García de Diego. Además Ana retomaría la música que Leonard Cohen había realizado en los 80 para su popular versión en inglés del “Pequeño Vals Vienés”. Era una música hecha no para el poema en español, sino para la traducción al inglés, y afortunadamente el poema en español encajó a casi la perfección con la música de Cohen, menos en el caso de los últimos versos del poema, que no entraron en la versión de Ana. Este disco se llamó “Lorquiana. Poemas de Federico García Lorca”.
Para otoño de 1998, ya estaban preparados los dos volúmenes, para los que se diseño una asombrosa portada que consistía en unmontaje fotográfico en el que una clásica Ana Belén posaba junto a un joven, relajado y elegante Federico García Lorca en sus veintes. Ana había visto esta foto de Lorca en un reportaje del dominical de El País y pensó que tenía que usarla como fuera para su disco. Para acompañar a Lorca en este llamativo montaje, Ana usó un vestido de su colección propia que ya había usado en entrevistas promocionales como la que concedió a Julia Otero en 1995 dentro del espacio de Televisión Española “Un paseo por el tiempo”. Cuando desde la fundación Lorca vieron la portada, le dijeron a Ana que la madre de Lorca tenía un vestido igual.
El título del álbum, en un evidente juego de palabras, “Lorquiana”, surgió durante la grabación del proyecto y Ana sintió que se lo dictaron desde arriba.
Por último, cabe destacar que Ana siempre tuvo en mente durante la preparación de Lorquiana que los dos volúmenes salieron juntos. Sin embargo, la compañía pensó que cada disco tenía un público diferente y por razones comerciales (los discos dobles suelen venderse menos que los individuales) decidieron que preferían venderlos por separado, teniendo expectativas comerciales más altas con el disco de poemas que con el de canciones populares. Sin embargo, Ana Belén declaró en un programa de radio que para ella los dos discos tenían un mismo público, el público de Lorca.
Con todo ya preparado, una Ana Belén bronceada y feliz anunciaba en un homenaje televisivo a Serrat a principio de otoño de 1998 que había estado trabajando todo el año con mucha gente en un homenaje a Lorca que saldría en breve y que estaba muy ilusionada con todo ello.
Los dos volúmenes de Lorquiana salieron al mercado la primera semana de Noviembre de 1998 lanzados a bombo y platillo. El primer acto público relacionado con el disco fue la actuación en La Gala de la Hispanidad emitida por tele 5 un par de semanas previas a la publicación de los cds con una bellísima Ana interpretando el primer single “Son de negros en cuba” y “La tarara”, ambos dos temas que abrían respectivamente cada cd.
“Son de negros en Cuba”, en efecto, fue elegido como primer single de “Poemas”, probablemente por ser uno de los temas más optimistas y alegres del disco; a pesar de la gran calidad del tema en cuanto a letra, voz, instrumentación y producción de alto nivel, a priori probablemente sorprendió a más de uno que un son cubano fuera la carta de presentación de un disco homenaje a Federico García Lorca. Fue un tema que sonó mucho en las radios y que Ana presentó en numerosos programas televisivos, aunque no llegó a convertirse en un clásico para Ana como sí lo han sido otros primeros singles de su discografía (Arde París, La mentira, Contamíname, La puerta de Alcalá o el posterior Peces de ciudad). Para él, Ana grabó un sencillo video clip en el que de manera glamourosa cantaba rodeada de elementos típicamente cubanos (Un habano, un pub cubano). Este video se presentó en telediario de la noche de Tele 5. El disco de canciones populares no contó con un single promocional.
Ana hizo numerosas apariciones mediáticas en formato de entrevista, presentaciones y actuaciones en directo mientras ensayaba y presentaba casi de manera simultánea la gira “Lorquiana”, coincidencia que la dejo exhausta, aunque “feliz”, en sus propias palabras. En estas entrevistas Ana habló de como se había fraguado la realización de tal especial disco, de su admiración profunda a Lorca, de comercialidad versus calidad, de polémicas como la de Camilo José Cela criticando a los gays en los homenajes a Lorca o la de “Lorca es de todos”, del menosprecio de las letras por parte de nuestro país, entre otras muchas cosas…
Un punto fuerte de la campaña publicitaria fue la emisión de un especial musical realizado a partir de los conciertos en Madrid dentro de la gira “Lorquiana”, emitido por canal plus, además de un documental sobre el disco y los ensayos de la gira. En el especial podemos ver una elegante, sofisticada e impecablemente ejecutada interpretación, aunque también poco espontánea, por parte de Ana Belén de casi todos los temas del disco (curiosamente dejó fuera del repertorio el “Romance de Don Boyso”, del disco de canciones populares). Ningún tema de otros trabajos discográfico fue interpretado en la gira “Lorquiana”; a modo de bis Ana solía repetir el bello tema de desamor que musicalizó Joan Manuel Serrat “Herido de amor”, tema que sería también el segundo single del disco.
El proyecto, en general, fue bien recibido por los medios, aunque el sector especialista de jazz y ciertos sectores de la prensa, siempre críticos hacia la figura de Ana, tacharon el acercamiento de Ana de oportunista, incapaces de ver la belleza y singularidad del proyecto. Incluso la portada fue puesta en tela de juicio por parte de alguna que otra figura del mundo artístico.
En cuanto a la recepción por parte del público, fue más fría de lo que la compañía había esperado en un primer momento. La idea de sacar el disco en el momento más competitivo del año provocó que Ana quedara eclipsada por mucha novedades discográfica del momento; sin ir más lejos, “Lorquiana” salió al mercado el mismo día que “Luna nueva”, el segundo disco de Rosana, que con su opera prima había sido en 1996 la revelación y el fenómeno musical del año, vendiendo más de un millón de discos.
Así pues, el disco de Poemas, que contó con dos singles más, llegó al puesto 8 y se mantuvo 16 semanas en la lista de ventas, alcanzado la certificación de platino. Un éxito sólo moderado que palidecía en comparación con las impresionantes ventas de su anterior disco “Mírame”, que se mantuvo en lo más alto de la lista durante 7 semanas. El disco de canciones populares, de entrada pensado para un público más minoritario, llegó al puesto número 18 y consiguió ser oro, un logro nada desechable si pensamos en un disco de jazz que no tuvo single promocional. Hoy en día ambas certificaciones constituirían un gran éxito.
Con el paso del tiempo, Ana mencionó que “Lorquiana” fue un proyecto “que no fue bien entendido”, quien sabe si por la salida de dos discos distintos o por la confusión de lanzar un proyecto que por una parte es jazzístico y por otra parte se lanza con un son cubano; o puede simplemente que los discos en general de este corte no suelan constituir grandes éxitos comerciales.
Pese a que en una entrevista promocional del 2008, Ana Belén lo destacó como su proyecto musical favorito dentro de los que había realizado en su extensa carrera musical, no ha retomado temas de este disco en sus posteriores giras de conciertos, con la excepción de la gira del 2001 “Dos en la carretera”, en la que cantaba “Son de negros en cuba” como segundo tema de su repertorio, con un fondo caribeño de palmeras y sol, y “Zorongo Gitano” en una emotiva interpretación que hacía acompañada de una especie de tejido-chal que extendía al final de la canción de cara al público y sobre el que se reflejaba con gran emotividad la figura de García Lorca. Estos dos temas, además de “Pequeño Vals vienés” y “Herido de amor” también se incluyeron en un recopilatorio de artista en el 2008.
A pesar del probable mal sabor de boca con el que Ana o la compañía pudieron quedarse tras tal esfuerzo artístico y promocional y la acogida tan discreta que posteriormente los discos tuvieron, el alto nivel artístico con el que estos discos se fraguaron prevalece por encima de toda crítica o relativo pinchazo comercial.
Por una parte, Ana Belén se muestra impresionante de voz y de cualidades interpretativas. En el disco de jazz su voz suena desnuda y rica a la vez, sofisticada y popular al mismo tiempo, delicada y poderosa, con esa dicción perfecta y agudos de miel, con distintas caras: traviesa (“Las tres hojas”), apasionada (“Zorongo Gitano”), susurrante (“Los 4 muleros”), tierna y maternal (espectacular y escalofriante “Nana de Sevilla”).
En el disco de poemas es aún más libre, ya no experimenta sino que juega en casa, y se dedica a interpretar los temas como si fuera la protagonista de distintas películas: Ana irónica (Pequeño Vals vienés), Ana jovial (Son de negros en cuba), Ana hipnótica y onírica (Canción tonta), Ana devastada (Herido de amor), Ana desesperanzada (7 corazones) o Ana rebelde (Romance de la pena negra), por citar unas cuantas facetas.
Algunos de los temas que grabó para este proyecto, tanto en el disco de poemas como en el de canciones populares, entran dentro de los más temas bellos que haya grabado nunca: Por tu amor me duele el aire, Alma ausente (cantada en homenaje directo a Lorca), Son de negros en cuba, Pequeño Vals vienés, 7 corazones, Los 4 muleros, Zorongo Gitano (destacado por la propia cantante), Las morillas de Jaén…
Temas envueltos en arreglos e instrumentación de alto nivel. En el disco de Jazz brilla tanto como la voz de Ana el acompañamiento de Chano Domínguez y sus músicos: especialmente impresionantes son los comienzos de Zorongo Gitano o Anda Jaleo, por poner dos ejemplos. Producción limpia, sobria, sencilla pero sofisticada y refinada, donde no hay nada que esté de más ni de menos.
Mientras, en el disco de Poemas, la producción es mucho más exuberante, dulce y rica y cada canción, que es de un estilo distinto, lleva un traje musical que se le adapta como anillo al dedo: desde arreglos calidos latinoamericanos hasta rumba pop pasando por el rock o por grandes orquestaciones (impresionante “Por tu amor me duele el aire”).
Es por eso que Lorquiana queda para la historia como un gran y único logro artístico, lleno de sensibilidad y belleza, a prueba del paso del tiempo, creado gracias a la colaboración de grandes artistas de nuestro tiempo, entre los que se encuentra a la cabeza nuestra querida protagonista, Ana Belén.
Texto de “El foro de Ana Belen” por Daniel.
Poemas.1.Son de negros en Cuba (Federico García Lorca - Michael Camilo)
2.Romance de la pena negra (Federico García Lorca - Fito Páez)
3.Herido de amor (Federico García Lorca - Joan Manuel Serrat)
4.Pequeño vals vienés (Federico García Lorca - Leonard Cohen)
5.Nocturnos de la ventana (Federico García Lorca - Pedro Guerra)
6.Siete corazones (Federico García Lorca - Antonio García de Diego)
7.Romance de la Luna (Federico García Lorca - Chano Domínguez)
8.Canción tonta (Federico García Lorca - Kiko Veneno)
9.Muerto de amor (Federico García Lorca - José María Carmona - Antonio Carmona - Juan Carmona)
10.Por tu amor me duele el aire (Federico García Lorca - Javier Ruibal)
11.Canción del gitano apaleado (Federico García Lorca - Kiko Veneno)
12.Alma ausente (Federico García Lorca - Víctor Manuel San José)
Canciones1.Los cuatro muleros (Popular española - Federico García Lorca)
2.Zorongo gitano (Popular española - Federico García Lorca)
3.La Tarara (Popular española - Federico García Lorca)
4.Anda jaleo (Popular española - Federico García Lorca)
5.Las tres hojas (Popular española - Federico García Lorca)
6.Sevillanas del siglo XVIII (Popular española - Federico García Lorca)
7.Los pelegrinitos (Popular española - Federico García Lorca)
8.Los mozos de Monleón (Popular española - Federico García Lorca)
9.Romance de Don Boyso (Popular española - Federico García Lorca)
10.Tres morillas o [Las morillas de Jaén] (Popular española)
11.En el café de Chinitas (Popular española - Federico García Lorca)
12.Nana de Sevilla (Popular española - Federico García Lorca)
Ana Belén habló por primera vez del proyecto “Lorquiana” cuando presentaba en Otoño de 1997 la pare latinoamericana de la gira “El gusto es nuestro”. Ana comentó durante aquella presentación que su próximo proyecto tras dicha gira sería un trabajo homenaje al poeta Federico García Lorca en su centenario, 1998, junto con los músicos Michel Camilo y Chano Domínguez. En efecto, Ana acababa de coincidir con ambos músicos en el midem Latino, a donde había acudido como estrella invitada para poner el broche de oro con su espectáculo “Mírame” en Septiembre de ese mismo año y esa feliz coincidencia dio origen al conceptualización de uno de los proyectos discográficos más originales y únicos de su carrera.
Con Chano Domínguez grabaría los clásicos populares que Lorca recopiló del cancionero popular, para posteriormente armonizar y tocar al piano. Ana los versionaría en clave de jazz, como Chano acababa de hacer junto a la voz de Martirio revisando la copla con arreglos de jazz en “Coplas de madrugada”. Con Michel Camilo haría otro disco en el que la poesía de Lorca estaría musicalizada según la visión novedosa de grandes figuras de la música pop y de autor del panorama nacional e incluso internacional del momento. A estos discos, además, les acompañaría una gira de teatros para presentar los dos discos en directo por toda España.
Cabe recordar que, en ese momento, Ana estaba atravesando una etapa triunfal en su madurez, después de dos discos en solitario exitosísimos (Mírame y Veneno para el corazón), dos giras colectivas y sus consecuentes álbumes en directo aún más exitosos si cabe (Mucho más que dos y El gusto es nuestro), 3 taquillazos en el cine (La pasión turca, Libertarias y El amor perjudica seriamente la salud) y una comedia musical en el teatro en la que Ana regresaba las tablas derrochando talento, glamour, humor y belleza y que fue también un éxito en toda regla. Con lo cual no es de extrañar que la compañía pusiera todos los medios y todo el interés en este trabajo, que se pensaría para salir al mercado en medio de la campaña navideña de 1998, época más comercial del año, con una agresiva campaña promocional, teniendo en mente que este homenaje se convirtiera otro bombazo en toda regla, a lo “Mucho más que dos” o “Mírame”.
En enero de 1998, Ana de vuelta de la gira por Latinoamérica, ya estaba preparándose para entrar al estudio a grabar las canciones populares junto a Chano Domínguez, cuando actuó durante una sola noche como estrella invitada en un homenaje a Lorca que por aquella época estaba haciendo Cristina Rota con su escuela de teatro. En el homenaje, Ana interpretó un desgarrado “Anda Jaleo” muy distinto al que estaba a punto de grabar en el estudio con arreglos de Jazz. Junto a “Anda Jaleo” versionarían, muchas veces voz e instrumentos grabados en directo, con improvisaciones y todo, con un trío de jazz temas tan populares y clásicos como “La tarara” o “Los cuatro muleros”. El disco que se grabó en aquellas sesiones se llamó “Lorquiana – canciones populares de Federico García Lorca” y durmió un dulce sueño hasta finales de año mientras se preparaba el otro volumen discográfico.
Este otro disco tuvo una preparación más dilatada porque los autores contactados (“La gente que a mí me gusta haciendo música”, contaba Ana) tenían que poner música a unos poemas de distintas época de Lorca que Ana hubiera elegido previamente por favoritos o por musicalizables. De esa manera, Ana dio varios poemas a cada autor para que eligieran el que más sentían para hacer canción y sólo a partir de ahí llegaría el trabajo de maquetación, arreglos, grabación de música, voz, producción, masterización, etc.… En concreto, Ana puso su voz las canciones en el verano de 1998, verano en el que también estuvo ocupada homenajeando a Kurt Weill junto a Miguel Ríos y la orquesta sinfónica de Granada dirigida por Josep Pons, en festivales como el de Perelada. Entre los autores contactados para musicalizar la poesía de Lorca: Serrat, Kiko Veneno, Fito Páez, Pedro Guerra, el productor Michel Camilo, el productor del otro volumen de Lorquiana Chano Domínguez, Ketama, Víctor Manuel, Javier Ruibal y Andrés García de Diego. Además Ana retomaría la música que Leonard Cohen había realizado en los 80 para su popular versión en inglés del “Pequeño Vals Vienés”. Era una música hecha no para el poema en español, sino para la traducción al inglés, y afortunadamente el poema en español encajó a casi la perfección con la música de Cohen, menos en el caso de los últimos versos del poema, que no entraron en la versión de Ana. Este disco se llamó “Lorquiana. Poemas de Federico García Lorca”.
Para otoño de 1998, ya estaban preparados los dos volúmenes, para los que se diseño una asombrosa portada que consistía en unmontaje fotográfico en el que una clásica Ana Belén posaba junto a un joven, relajado y elegante Federico García Lorca en sus veintes. Ana había visto esta foto de Lorca en un reportaje del dominical de El País y pensó que tenía que usarla como fuera para su disco. Para acompañar a Lorca en este llamativo montaje, Ana usó un vestido de su colección propia que ya había usado en entrevistas promocionales como la que concedió a Julia Otero en 1995 dentro del espacio de Televisión Española “Un paseo por el tiempo”. Cuando desde la fundación Lorca vieron la portada, le dijeron a Ana que la madre de Lorca tenía un vestido igual.
El título del álbum, en un evidente juego de palabras, “Lorquiana”, surgió durante la grabación del proyecto y Ana sintió que se lo dictaron desde arriba.
Por último, cabe destacar que Ana siempre tuvo en mente durante la preparación de Lorquiana que los dos volúmenes salieron juntos. Sin embargo, la compañía pensó que cada disco tenía un público diferente y por razones comerciales (los discos dobles suelen venderse menos que los individuales) decidieron que preferían venderlos por separado, teniendo expectativas comerciales más altas con el disco de poemas que con el de canciones populares. Sin embargo, Ana Belén declaró en un programa de radio que para ella los dos discos tenían un mismo público, el público de Lorca.
Con todo ya preparado, una Ana Belén bronceada y feliz anunciaba en un homenaje televisivo a Serrat a principio de otoño de 1998 que había estado trabajando todo el año con mucha gente en un homenaje a Lorca que saldría en breve y que estaba muy ilusionada con todo ello.
Los dos volúmenes de Lorquiana salieron al mercado la primera semana de Noviembre de 1998 lanzados a bombo y platillo. El primer acto público relacionado con el disco fue la actuación en La Gala de la Hispanidad emitida por tele 5 un par de semanas previas a la publicación de los cds con una bellísima Ana interpretando el primer single “Son de negros en cuba” y “La tarara”, ambos dos temas que abrían respectivamente cada cd.
“Son de negros en Cuba”, en efecto, fue elegido como primer single de “Poemas”, probablemente por ser uno de los temas más optimistas y alegres del disco; a pesar de la gran calidad del tema en cuanto a letra, voz, instrumentación y producción de alto nivel, a priori probablemente sorprendió a más de uno que un son cubano fuera la carta de presentación de un disco homenaje a Federico García Lorca. Fue un tema que sonó mucho en las radios y que Ana presentó en numerosos programas televisivos, aunque no llegó a convertirse en un clásico para Ana como sí lo han sido otros primeros singles de su discografía (Arde París, La mentira, Contamíname, La puerta de Alcalá o el posterior Peces de ciudad). Para él, Ana grabó un sencillo video clip en el que de manera glamourosa cantaba rodeada de elementos típicamente cubanos (Un habano, un pub cubano). Este video se presentó en telediario de la noche de Tele 5. El disco de canciones populares no contó con un single promocional.
Ana hizo numerosas apariciones mediáticas en formato de entrevista, presentaciones y actuaciones en directo mientras ensayaba y presentaba casi de manera simultánea la gira “Lorquiana”, coincidencia que la dejo exhausta, aunque “feliz”, en sus propias palabras. En estas entrevistas Ana habló de como se había fraguado la realización de tal especial disco, de su admiración profunda a Lorca, de comercialidad versus calidad, de polémicas como la de Camilo José Cela criticando a los gays en los homenajes a Lorca o la de “Lorca es de todos”, del menosprecio de las letras por parte de nuestro país, entre otras muchas cosas…
Un punto fuerte de la campaña publicitaria fue la emisión de un especial musical realizado a partir de los conciertos en Madrid dentro de la gira “Lorquiana”, emitido por canal plus, además de un documental sobre el disco y los ensayos de la gira. En el especial podemos ver una elegante, sofisticada e impecablemente ejecutada interpretación, aunque también poco espontánea, por parte de Ana Belén de casi todos los temas del disco (curiosamente dejó fuera del repertorio el “Romance de Don Boyso”, del disco de canciones populares). Ningún tema de otros trabajos discográfico fue interpretado en la gira “Lorquiana”; a modo de bis Ana solía repetir el bello tema de desamor que musicalizó Joan Manuel Serrat “Herido de amor”, tema que sería también el segundo single del disco.
El proyecto, en general, fue bien recibido por los medios, aunque el sector especialista de jazz y ciertos sectores de la prensa, siempre críticos hacia la figura de Ana, tacharon el acercamiento de Ana de oportunista, incapaces de ver la belleza y singularidad del proyecto. Incluso la portada fue puesta en tela de juicio por parte de alguna que otra figura del mundo artístico.
En cuanto a la recepción por parte del público, fue más fría de lo que la compañía había esperado en un primer momento. La idea de sacar el disco en el momento más competitivo del año provocó que Ana quedara eclipsada por mucha novedades discográfica del momento; sin ir más lejos, “Lorquiana” salió al mercado el mismo día que “Luna nueva”, el segundo disco de Rosana, que con su opera prima había sido en 1996 la revelación y el fenómeno musical del año, vendiendo más de un millón de discos.
Así pues, el disco de Poemas, que contó con dos singles más, llegó al puesto 8 y se mantuvo 16 semanas en la lista de ventas, alcanzado la certificación de platino. Un éxito sólo moderado que palidecía en comparación con las impresionantes ventas de su anterior disco “Mírame”, que se mantuvo en lo más alto de la lista durante 7 semanas. El disco de canciones populares, de entrada pensado para un público más minoritario, llegó al puesto número 18 y consiguió ser oro, un logro nada desechable si pensamos en un disco de jazz que no tuvo single promocional. Hoy en día ambas certificaciones constituirían un gran éxito.
Con el paso del tiempo, Ana mencionó que “Lorquiana” fue un proyecto “que no fue bien entendido”, quien sabe si por la salida de dos discos distintos o por la confusión de lanzar un proyecto que por una parte es jazzístico y por otra parte se lanza con un son cubano; o puede simplemente que los discos en general de este corte no suelan constituir grandes éxitos comerciales.
Pese a que en una entrevista promocional del 2008, Ana Belén lo destacó como su proyecto musical favorito dentro de los que había realizado en su extensa carrera musical, no ha retomado temas de este disco en sus posteriores giras de conciertos, con la excepción de la gira del 2001 “Dos en la carretera”, en la que cantaba “Son de negros en cuba” como segundo tema de su repertorio, con un fondo caribeño de palmeras y sol, y “Zorongo Gitano” en una emotiva interpretación que hacía acompañada de una especie de tejido-chal que extendía al final de la canción de cara al público y sobre el que se reflejaba con gran emotividad la figura de García Lorca. Estos dos temas, además de “Pequeño Vals vienés” y “Herido de amor” también se incluyeron en un recopilatorio de artista en el 2008.
A pesar del probable mal sabor de boca con el que Ana o la compañía pudieron quedarse tras tal esfuerzo artístico y promocional y la acogida tan discreta que posteriormente los discos tuvieron, el alto nivel artístico con el que estos discos se fraguaron prevalece por encima de toda crítica o relativo pinchazo comercial.
Por una parte, Ana Belén se muestra impresionante de voz y de cualidades interpretativas. En el disco de jazz su voz suena desnuda y rica a la vez, sofisticada y popular al mismo tiempo, delicada y poderosa, con esa dicción perfecta y agudos de miel, con distintas caras: traviesa (“Las tres hojas”), apasionada (“Zorongo Gitano”), susurrante (“Los 4 muleros”), tierna y maternal (espectacular y escalofriante “Nana de Sevilla”).
En el disco de poemas es aún más libre, ya no experimenta sino que juega en casa, y se dedica a interpretar los temas como si fuera la protagonista de distintas películas: Ana irónica (Pequeño Vals vienés), Ana jovial (Son de negros en cuba), Ana hipnótica y onírica (Canción tonta), Ana devastada (Herido de amor), Ana desesperanzada (7 corazones) o Ana rebelde (Romance de la pena negra), por citar unas cuantas facetas.
Algunos de los temas que grabó para este proyecto, tanto en el disco de poemas como en el de canciones populares, entran dentro de los más temas bellos que haya grabado nunca: Por tu amor me duele el aire, Alma ausente (cantada en homenaje directo a Lorca), Son de negros en cuba, Pequeño Vals vienés, 7 corazones, Los 4 muleros, Zorongo Gitano (destacado por la propia cantante), Las morillas de Jaén…
Temas envueltos en arreglos e instrumentación de alto nivel. En el disco de Jazz brilla tanto como la voz de Ana el acompañamiento de Chano Domínguez y sus músicos: especialmente impresionantes son los comienzos de Zorongo Gitano o Anda Jaleo, por poner dos ejemplos. Producción limpia, sobria, sencilla pero sofisticada y refinada, donde no hay nada que esté de más ni de menos.
Mientras, en el disco de Poemas, la producción es mucho más exuberante, dulce y rica y cada canción, que es de un estilo distinto, lleva un traje musical que se le adapta como anillo al dedo: desde arreglos calidos latinoamericanos hasta rumba pop pasando por el rock o por grandes orquestaciones (impresionante “Por tu amor me duele el aire”).
Es por eso que Lorquiana queda para la historia como un gran y único logro artístico, lleno de sensibilidad y belleza, a prueba del paso del tiempo, creado gracias a la colaboración de grandes artistas de nuestro tiempo, entre los que se encuentra a la cabeza nuestra querida protagonista, Ana Belén.
Texto de “El foro de Ana Belen” por Daniel.
18. SANTIAGO FELIU “AY, LA VIDA” (2010)
1.Ay, la vida (Santiago Feliú)
2.Sostener mi amor (Santiago Feliú) *con Silvio Rodríguez
3.Demasiado amar (Santiago Feliú)
4.Otras cosas que también (Santiago Feliú)
5.Planeta Cuba (Santiago Feliú)
6.La canción y yo (Santiago Feliú)
7.Marionetas de Cupido (Santiago Feliú) *con Haydée Milanés
8.De lo nunca más (Santiago Feliú)
9.Descerebrándome el corazón (Santiago Feliú)
10.Ángeles de mí (Santiago Feliú) *con Haydée Milanés
11.Sin tanta soledad (Santiago Feliú) *con Melvis Santa
12.Resumiendo (Santiago Feliú)
Santiago Feliu titulo su primer disco “Vida” en 1986. Veinticuatro anios mas tarde y después de tener un amplio repertorio y unos diez discos grabados, entre estudio y directos, vuelve a traer “La vida” al titulo de un disco. Si bien aquel disco es uno de los clásicos de la nueva “Nueva trova” Cubana, este lo es sin lugar a dudas, aunque ya Santiaguito no sea de los nuevos, mas bien ya es parte de los veteranos y preferidos de los trovadores Cubanos. Mas cercano del Rock o el Country, este artista ha grabado en este disco maravilloso 12 bellas canciones que parecen ser doce paginas de un mismo libro, doce estrofas de un mismo párrafo. Esto hace el disco “Ay la vida” un disco redondo, que fluye mágicamente y que una vez que escuchamos por primera vez, no dejamos de volverlo a poner, de volverlo a escuchar, pues cada vez encontramos emociones nuevas que nos desgarran, que nos emocionan, y ponen letra y música a eso que todos conocemos como “la vida.
Texto: O.P
1.Ay, la vida (Santiago Feliú)
2.Sostener mi amor (Santiago Feliú) *con Silvio Rodríguez
3.Demasiado amar (Santiago Feliú)
4.Otras cosas que también (Santiago Feliú)
5.Planeta Cuba (Santiago Feliú)
6.La canción y yo (Santiago Feliú)
7.Marionetas de Cupido (Santiago Feliú) *con Haydée Milanés
8.De lo nunca más (Santiago Feliú)
9.Descerebrándome el corazón (Santiago Feliú)
10.Ángeles de mí (Santiago Feliú) *con Haydée Milanés
11.Sin tanta soledad (Santiago Feliú) *con Melvis Santa
12.Resumiendo (Santiago Feliú)
Santiago Feliu titulo su primer disco “Vida” en 1986. Veinticuatro anios mas tarde y después de tener un amplio repertorio y unos diez discos grabados, entre estudio y directos, vuelve a traer “La vida” al titulo de un disco. Si bien aquel disco es uno de los clásicos de la nueva “Nueva trova” Cubana, este lo es sin lugar a dudas, aunque ya Santiaguito no sea de los nuevos, mas bien ya es parte de los veteranos y preferidos de los trovadores Cubanos. Mas cercano del Rock o el Country, este artista ha grabado en este disco maravilloso 12 bellas canciones que parecen ser doce paginas de un mismo libro, doce estrofas de un mismo párrafo. Esto hace el disco “Ay la vida” un disco redondo, que fluye mágicamente y que una vez que escuchamos por primera vez, no dejamos de volverlo a poner, de volverlo a escuchar, pues cada vez encontramos emociones nuevas que nos desgarran, que nos emocionan, y ponen letra y música a eso que todos conocemos como “la vida.
Texto: O.P
19. LOREENA McKENNIT “THE VISIT” (1991)
Elegir un disco de esta gran artista Canadiense, resulta un tanto difícil. Si bien todos sus discos son clásicos de su genero, que parte de la música celta, Loreena es de ascendencia Escocesa e Irlandesa, pero a lo largo de su obra muestra un gran interés en mezclar su esencia celta con otras culturas y ritmos del mundo. Cada nueva etapa de esta genial artista coloca mas alto el pedestal de su talento. Su voz, su piano o su arpa llegan a transportarnos a lugares insospechados, sentimientos desconocidos, nos estremece, nos hunde, nos levanta. “The visit” es su cuarto álbum, grabado en 1991.
(O.P)
All songs written by Loreena McKennitt except as noted.
1. "All Souls Night" – 5:09
2. "Bonny Portmore" (Traditional, arr. McKennitt) – 4:21
3. "Between the Shadows" – 3:42
4. "The Lady of Shalott" (Lyrics by Alfred Lord Tennyson adapted by McKennitt, music by McKennitt) – 11:34
5. "Greensleeves" (Traditional arr. McKennitt) – 4:26
6. "Tango to Evora" – 4:10
7. "Courtyard Lullaby" – 4:57
8. "The Old Ways" – 5:44
9. "Cymbeline" (Lyrics: William Shakespeare, Music: McKennitt) – 5:07
Elegir un disco de esta gran artista Canadiense, resulta un tanto difícil. Si bien todos sus discos son clásicos de su genero, que parte de la música celta, Loreena es de ascendencia Escocesa e Irlandesa, pero a lo largo de su obra muestra un gran interés en mezclar su esencia celta con otras culturas y ritmos del mundo. Cada nueva etapa de esta genial artista coloca mas alto el pedestal de su talento. Su voz, su piano o su arpa llegan a transportarnos a lugares insospechados, sentimientos desconocidos, nos estremece, nos hunde, nos levanta. “The visit” es su cuarto álbum, grabado en 1991.
(O.P)
All songs written by Loreena McKennitt except as noted.
1. "All Souls Night" – 5:09
2. "Bonny Portmore" (Traditional, arr. McKennitt) – 4:21
3. "Between the Shadows" – 3:42
4. "The Lady of Shalott" (Lyrics by Alfred Lord Tennyson adapted by McKennitt, music by McKennitt) – 11:34
5. "Greensleeves" (Traditional arr. McKennitt) – 4:26
6. "Tango to Evora" – 4:10
7. "Courtyard Lullaby" – 4:57
8. "The Old Ways" – 5:44
9. "Cymbeline" (Lyrics: William Shakespeare, Music: McKennitt) – 5:07
20. CHICO BUARQUE - EN ESPAÑOL (1982)
Corría el año 1982, y la influencia de Chico Buarque había trascendido ampliamente las fronteras de Brasil. Daniel “el Chueco” Viglietti (Cantante y Autor Uruguayo), le propuso hacer una versión en español de sus éxitos más recientes. Las traducciones las hizo Viglietti, y después de algunos meses de estudio del español (para mejorar su pronunciación) se editó este Vinilo en castellano… pero en Brasil! (texto de la red)
1. Que Sera
2. Mar Y Luna
3. Geni Y El Zepelin
4. Pesar De Usted
5. Querido Amigo
6. Construccion
7. Te Amo
8. Cotidiano
9. Acalanto
10. Mambembe
2. Mar Y Luna
3. Geni Y El Zepelin
4. Pesar De Usted
5. Querido Amigo
6. Construccion
7. Te Amo
8. Cotidiano
9. Acalanto
10. Mambembe
21. COMPAY SEGUNDO – LO MEJOR DE LA VIDA (1998)
01. - El camisón de Pepa - 3:50"
02. - Tu querías jugar - 4:05"
03. - Desdichado - 5:58"
04. - La ternera - 3:26"
05. - Para Vigo me voy - 5:10"
06. - Fidelidad [con Silvio Rodriguez] - 3:21"
07. - Cuba y España - 6:37"
08. - Es mejor vivir así [con Martirio] - 3:35"
09. - Frutas del Caney - 3:06"
10. - La juma del ayer - 4:43"
11. - Linda Graciela - 4:25"
12. - La Pluma - 2:52"
13. - Juliancito (tu novia te botó)[con Martirio] - 4:41"
14. - Son de negros en Cuba - 5:00"
Con motivo del 90 cumpleaños de Compay, se graba “Lo mejor de la vida” Ya Compay había retomado las riendas del éxito después de participar en el monumental trabajo “Buena vista social club” de artistas cubanos veteranos rescatados en su mayoría del olvido. Le dieron la vuelta al mundo, y desde entonces con su calidad artística, su talento indiscutible y su simpatía cubana, recorrio los mejores escenarios del mundo, compartiendo escena con grandes artistas.
En este trabajo Francisco Repilado fiel a su longeva trayectoria, graba sones, boleros, congas, guarachas y canciones con su peculiar estilo, muchas de las cuales son de su autoria, como siempre acostumbra ya que es un prolífico compositor de temas que fueron éxito en los conjuntos donde trabajo o en el mitico duo “Los Compadres” pero también incluye en este disco temas de grandes compositores cubanos, como Pedro Flores, Benny More y Ernerto Lecuona entre otros, participan en el disco invitados de lujo, como Silvio Rodriguez, Martirio y Raimundo Amador entre otros. Es de destacar la adaptación del poema de Federico Garcia Lorca “Son de negros en Cuba” a un Son musicalizado por Compay.
(O.P)
22. MOCEDADES – AMOR DE HOMBRE (1982)
Corazón de fiesta
Necesitando tu amor
Amor de hombre
Talismán
Aire
Dónde estás corazón
Sí o no
La reina contra el as
Le llamaban loca
Hoy sin tí
En la extensa obra de Mocedades, desde sus comienzos con aquel inolvidable “Eres tu’ cada uno de sus discos son verdaderas obras maestras. Sobre todo de la primera etapa, cuando con genialidad y frescura sin igual, unían sus voces para entonar melodías y letras que a la inmensa mayoría de los oyentes nos estremecían. Si dentro de la discografía de Mocedades hay un disco donde no sobra ningún tema, donde todos los temas se balancean en un mismo nivel poético y musical, y donde además hacen estallar las emociones, es en “Amor de hombre” Un disco en plena etapa de madurez del grupo, grabado en 1982, después de mas de 20 años de éxitos continuos, las diez canciones que conforman este disco, perecen ser escritas por sus propios integrantes, aunque en realidad contiene temas de los mas importantes compositores españoles del momento. Este disco vendió en España 500.000 copias.
(O.P)
23. MANUEL GARCIA – PANICO (2005)
Pánico es una colección de canciones inéditas, escritas y guardadas durante años por el cantante. En algunas de ellas, como “Tanto creo en ti” o “Tu ventana”, su modo de pulsar la guitarra con la mano derecha es afín al de Silvio Rodríguez en canciones como “El pintor de las mujeres solas” o “Nuestro tema”, y ése no es sino el punto de partida más apropiado para un músico como este. A cambio, la mano izquierda con la que despliega los acordes, la voz, la melodía, el fraseo, son todos rasgos propios que abundan en esta música y se manifiestan en muchos sentidos: armonías imaginativas, ejecución sólida, melodías bonitas y casi siempre melancólicas. Junto a la trova se adivinan otras fuentes, también escondidas o aparentes, como una guitarra acústica de acento blusero y rockero en “Insecto de oro”, la escucha latente de Radiohead o el rock lento de piano y batería que es “Caen lunas”.
Pánico, el álbum, uno de los lanzamientos musicales chilenos del año, es un disco denso de tanta música que encierra, y con él Manuel García gana espacio entre los mejores nuevos autores populares chilenos. (texto de la red)
1. Tanto creo en ti.
2. La pena vuela.
3. Bufón.
4. Insecto de oro.
5. Tu ventana.
6. Pánico.
7. El viejo comunista.
8. Hablar de ti.
9. Cómo dices tú.
10. La danza de las libélulas.
11. Azúcar al café.
12. Caen lunas.
13. El reino del tiempo.
Pánico es una colección de canciones inéditas, escritas y guardadas durante años por el cantante. En algunas de ellas, como “Tanto creo en ti” o “Tu ventana”, su modo de pulsar la guitarra con la mano derecha es afín al de Silvio Rodríguez en canciones como “El pintor de las mujeres solas” o “Nuestro tema”, y ése no es sino el punto de partida más apropiado para un músico como este. A cambio, la mano izquierda con la que despliega los acordes, la voz, la melodía, el fraseo, son todos rasgos propios que abundan en esta música y se manifiestan en muchos sentidos: armonías imaginativas, ejecución sólida, melodías bonitas y casi siempre melancólicas. Junto a la trova se adivinan otras fuentes, también escondidas o aparentes, como una guitarra acústica de acento blusero y rockero en “Insecto de oro”, la escucha latente de Radiohead o el rock lento de piano y batería que es “Caen lunas”.
Pánico, el álbum, uno de los lanzamientos musicales chilenos del año, es un disco denso de tanta música que encierra, y con él Manuel García gana espacio entre los mejores nuevos autores populares chilenos. (texto de la red)
1. Tanto creo en ti.
2. La pena vuela.
3. Bufón.
4. Insecto de oro.
5. Tu ventana.
6. Pánico.
7. El viejo comunista.
8. Hablar de ti.
9. Cómo dices tú.
10. La danza de las libélulas.
11. Azúcar al café.
12. Caen lunas.
13. El reino del tiempo.
24. TRIBALISTAS – (2002)
Tribalistas es un trío musical brasileño compuesto por Marisa Monte, Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown.
El grupo se formó tras la participación de Marisa Monte en un álbum que Arnaldo Antunes estaba componiendo, y que producía Carlinhos Brown. En marzo del 2001, reunidos en Bahía, compusieron 20 canciones, y en abril del año siguiente grabaron 13 de ellas para componer el primer álbum publicado por ellos. El nombre del grupo provino de una de las canciones que compusieron e incluyeron en el primer álbum.
El trabajo del grupo tiene la particularidad de haber sido realizado de manera muy apresurada debido a los cortos tiempos que poseían los artistas. El primer álbum fue grabado en trece días, uno por canción.
Carnavália
Um a um
Velha infância
Passe em casa
O amor é feio
É você
Carnalismo
Mary cristo
Anjo da guarda
Lá de longe
Pecado é lhe deixar de molho
Já sei namorar
Tribalistas
Lo grabaron en abril del 2002 en secreto en la casa que posee Marisa Monte en Río de Janeiro. En dicho trabajo sólo tardaron trece días, y que utilizaron un día para grabar cada canción.
Este álbum se lanzó a la venta en Brasil en el 2002 y en el resto del mundo al año siguiente. Vendió más de un millón de copias, tan sólo en Brasil, teniendo gran aceptación en Europa. Recibió 5 Grammy's de música latina en 2003 y un premio de música mundial de la BBC en 2004.
El álbum en formato DVD incluye videos de la grabación de algunas canciones del disco y diálogos y entrevistas con los tres músicos en el estudio.
(O.P)
25. THE BEATLES - THE BEATLES AGAIN (1969)
Este disco de los Beatles -que a medida que pasa el tiempo se va convirtiendo en una rareza- tuvo durante los '70 una importante circulación en todo el mundo...
La edición fué una movida del polémico manager Allen Klein y el selloApple, compilando temas de simples no incluídos en LPs, y dándole prioridad a los de la última época (aunque también hay canciones más antiguas como "Can't Buy Me Love" y "I Should Have Known Better").Iba a llamarse "The Beatles Again", pero a último momento se decidieron por "Hey Jude" para destacar que incluía ése tema, que era el éxito del momento. De ahí que la tapa -con una excelente foto del grupo extraída de sesiones de ese mismo año- no tuviera ninguna leyenda, y hasta hubo una serie inicial que llevaba impreso "The Beatles Again" en el sello redondo del vinilo, como también en los cassettes...
"Hey Jude" se editó en Febrero de 1970, apenas tres meses antes que "Let It Be", y no salió en Inglaterra hasta 1979, si bien se vendía la versión importada de EEUU...
A pesar de la mezcla de canciones -con varios años de diferencia en algunos casos- la lista es maravillosa, con "Paperback Writer", "Old Brown Shoe", "Lady Madonna" y otros...
En la era del CD se unificó el criterio con respecto al catálogo oficial de Los Beatles en todo el mundo, y "Hey Jude" quedó afuera, por lo que seguiremos disfrutándolo en vinilo y cassette... Me hubiese encantado encontrar en la remasterización del 2009 ésta colección de temas con esa tapa inigualable...
Pero no pierdo las esperanzas. Cuando se trata de los Beatles nunca se sabe ("Tomorrow Never Knows"...). Tal vez en algún momento alguien se decida a rescatarlo.
Pero no pierdo las esperanzas. Cuando se trata de los Beatles nunca se sabe ("Tomorrow Never Knows"...). Tal vez en algún momento alguien se decida a rescatarlo.
(texto de la red)
26. SILVIA PEREZ CRUZ & JAVIER COLINA TRIO - EN LA IMAGINACION (2011)
A lo largo de su intensa y extraordinaria trayectoria, Javier Colina, uno de los mejores y más celebrados contrabajistas actuales, siempre ha mostrado un claro interés por la música latina, y muy especialmente, por los sonidos y ritmos cubanos. Bien en su faceta como líder o como prestigioso sideman, Colina ha revisado en frecuentes ocasiones el cancionero popular de grandes compositores cubanos, partiendo siempre desde el lenguaje del jazz contemporáneo.
Sílvia Pérez Cruz es una de las voces más importantes que ha dado la música popular en Cataluña en los últimos años. Una voz luminosa, cálida, delicada y versátil, que combina la improvisación del jazz, la fuerza y el ritmo del flamenco, los melismas del fado y la proximidad de la canción de taberna. La personalidad de la voz hace de cada repertorio una experiencia única.
En ‘En la imaginación‘, la incorporación de la voz de Sílvia al trío de Colina ilumina con matices nuevos este repertorio con profundas raíces populares. Con una sintonía excepcional entre la clásica formación de trío jazzístico y la voz principal, canciones como ‘Debí llorar’, ‘Qué dirías de mí’ o ‘Mí mejor canción’, se muestran como verdaderos y definitivos estándares de jazz latino, que consiguen emocionar por su sinceridad y magistral interpretación.
(De la web oficial del disco)
27. CAETANO VELOSO - "FINA ESTAMPA" (1994)
1-. Rumba Azul (3:44)
2-. Pecado (4:36)
3-. María Bonita (3:04)
4-. Contigo En La Distancia (3:13)
5-. Recuerdos De Ypacarai (2:42)
6-. Fina Estampa (3:34)
7-. Capullito De Aleli
8-. Un Vestido Y Un Amor (4:06)
9-. María La O (3:18)
10-. Tonada De Luna Llena (3:10)
11-. Mi Cocodrilo Verde (2:35)
12-. Lamento Borincano (5:25)
13-. Vete De Mi (2:36)
14-. La Golondrina (2:41)
15-. Vuelvo Al Sur (4:05)
Texto de O.P.
28. OMARA PORTUONDO - "GRACIAS" (2008)
Texto de O.P.
2. Adiós felicidad
3. O que será (con Chico Buarque)
4. Vuela pena
5. Cuento para un niño
6. Ámame como soy (con Pablo Milanés)
7.Tú mi desengaño
8. Cachita
9. Rabo de nube
10. Gracias (con Jorge Drexler)
11. Nuestro gran amor (con Cachaíto López y Chucho Valdés)
12. Lo que me queda por vivir
13. Drume negrita (con Richard Bona)
29. VICTOR MANUEL - "SOY UN CORAZON TENDIDO AL SOL" (1979)
Sin embargo, algo cambió en la primavera de 1979. Las emisoras de radio recibieron con entusiasmo una canción de melodía sencilla y pegadiza y que despertaba un extraño sentimiento. Era "Sólo pienso en ti". Víctor Manuel había aflautado más su voz, en la línea de su último trabajo ("10", del año anterior). Pero había cambiado algo más: el sonido había ganado calidad y se acercaba a las grandes producciones europeas.
Danilo Vaona estaba detrás de todo ello. El compositor, productor y arreglista vigevanense, centrado en el mercado de su país durante la década de los 70, arregló sus primeros discos en español a Miguel Bosé, José Luis Perales y el grupo Laredo en 1978. Los siguientes serían Ana y Víctor. Víctor Manuel, en alguna entrevista, ha defendido que el público merece ser cuidado, y que ello pasa por contratar a los mejores músicos y por cuidar la producción; en efecto, el salto de calidades entre los trabajos anteriores y éste es absolutamente evidente.
Víctor acababa de firmar con CBS. Tras concluir su contrato con Phillips-Universal, discográfica que abandonó a su suerte al cantautor, los expertos del mercado del disco no entendían la apuesta del sello de la Columbia. Pronto, sin embargo, se demostró que había sido una buena inversión: "Sólo pienso en ti" estuvo 27 semanas en la lista de los 40 principales, llegando a ser numero uno durante cinco semanas consecutivas. Es el single más vendido por el asturiano de todos los que ha editado en solitario.
1. Sólo pienso en ti
Una obra maestra, sin más. Al principio fue descrita por los medios de comunicación como una historia de amor "diferente". Sin embargo, Víctor nunca se cansó de explicar que estaba inspirada en Mariluz y Antonio, dos deficientes mentales que viven y trabajan en la residencia Promi de Cabra, Córdoba, y que se habían enamorado. Con el paso del tiempo se ha consolidado como la mejor canción de Víctor Manuel. El asturiano reconoce que es la canción que más dinero le ha reportado en derechos de autor, a pesar de que en sus inicios fuera recibida con cierta controversia y muchos eufemismos.
Víctor supo de Mariluz y Antonio a través de esta noticia, publicada en El País el 8 de julio de 1978. Basándome en lo que ha comentado en muchas entrevistas, deduzco que éste fue uno de los fragmentos que más le impactó:
«Al entrar empezamos por quitarles toda medicación y dejarles en observación. Sólo a alguna mujer se le facilita la «píldora», y eso para que no haya consecuencias que servirían de pretexto para echarnos al pueblo encima. Son felices. Tienen la libertad a su disposición y saben usarla.»
El reportaje venía acompañado por una foto, donde Mariluz y Antonio iban por el jardín, tomados de la mano. Con esa imagen arrancó el estribillo.
Según se cuenta, Víctor pensaba en que fuera Ana quien cantara esta canción. Sin embargo, el casting que le hizo CBS, con la importante influencia de Tomás Muñoz y Aurelio González, directivos de la misma y principales valedores de Víctor Manuel en el fichaje por la multinacional, impulsó que "Sólo pienso en ti" entrara en el LP "Soy un corazón tendido al sol", lo que provocó que Víctor le debiera una canción a Ana. Años más tarde, en 1986, esta deuda quedó saldada cuando Ana le arrebató a Víctor la canción "Niña de agua", dedicada a su hija Marina, que entonces tenía tres años.
2. Cuélebre
Editada por primera vez en el trabajo "Canto para todos" con el título "Danza del cuélebre" y cantada entonces en asturiano, Víctor la recupera con arreglos más sencillos (y, bajo mi opinión, peores) para garantizarle un futuro digno a una canción que ha mantenido en concierto y que se antoja muy divertida, sobre todo porque es difícil de cantar; de hecho, en algunas estrofas parece un trabalenguas:
«Dicen que el cuélebre habla tan sólo en inglés
pero está yendo a aprender para hablar del revés
y no entenderse con nadie ni en chino ni en bable, sobran las palabras
que las palabras enredan y tornan oscuras las buenas ideas.»
3. Pablo & Juana
Olvidada, como el 90 por ciento de las canciones de cualquier artista, es una canción que me gusta mucho. Dibuja, con soberbia sencillez, el despertar hormonal del amor adolescente y la despreocupación con la que se vive una relación de pareja que no tiene más obligaciones que el disfrute mutuo. Versos como «fue como expulsar todo el deseo por los poros de la piel», muy de Víctor, reflejan a la perfección ese conjunto de sensaciones.
4. El niño que volaba
Siempre me ha gustado la capacidad de Víctor para la creación de temas ambiguos. Algunos son tan ambiguos que dejan lugar a interpretaciones de toda índole. "El niño que volaba" es un ejemplo perfecto de esto: un niño que, para asombro de todos, puede volar. Cuando la ciencia intenta buscar explicación, las evidencias se pierden («Fueron muy sabios doctores los que le pidieron la pluma de un ala para analizarla pero al separarla la oyeron quejarse convertida en agua») y, finalmente, el poder económico («La Fundación Rockefeller») logra apresarlo para exhibirlo en un museo. Una triste historia que dibuja el sometimiento de la libertad individual a la exigencia de un sistema financiero y el resto de poderes. De resto, la canción no ha triunfado por merecimiento propio; la historia que cuenta es bonita, pero no pasa de ahí.
5. Balada para Cabiria
Cabiria fue un pastor alemán que Víctor y Ana se trajeron de México, donde pasaron seis meses exiliados en 1973, a raíz del escándalo relativo a la comedia Ravos. Blas, otro perro que también se trajeron, murió por sobredosis de tranquilizantes, suministrados para el viaje de regreso a España. De ahí que Víctor le dedicara el verso «si te refugiaste con las drogas y el alcohol». Es una canción bastante tierna, que incluye ciertos toques de humor («debo hacerte ver que no quiero cruzarme con un perro»).
6. Soy un corazón tendido al sol
Cierto es que "Sólo pienso en ti" supone el mayor éxito en la carrera de Víctor; sin embargo, "Soy un corazón tendido al sol" supuso probablemente la canción que hizo efervecer en un principio la crítica positiva que se originó en torno al álbum. En su versión original arranca con el bajo como instrumento predominante, creando escuela y dotando a la canción de un alma nueva, distinto a todo lo anterior que ya se conocía de las composiciones de Víctor. Con esta canción, el asturiano rendía tributo al público (los fragmentos «todo lo que escribo al día siguiente rompería si no fuera porque creo en ti» y «me haces escribir dejando el rastro de mi alma y cada verso es un jirón de piel» son dos buenos ejemplos de ello).
7. Eran dos niños
Al igual que "Cuélebre", "Eran dos niños" se estrenó dos años atrás, cantada en asturiano y editada con el título "Yeren dos guajes" y, nuevamente, con unos arreglos peores que los anteriores. Juan y Colás, dos guajes que cuidan del ganado en las montañas de la Asturias interior, deciden escaparse para ver el mar, del que han oído hablar pero nunca han podido acercarse; al llegar, y entre la emoción y la humedad con salitre, deciden ir a orinar, lo que les cuesta una multa. Una historia sencilla, quizá demasiado si la comparamos con las historias que suele contar Víctor, pero igualmente sobrecogedora.
8. Digo amor y digo libertad
Desde aquella "Canción para Pilar" de 1972, editada en el LP "Todos tenemos un precio" de 1974, Víctor había abandonado a Ana en su discografía. Con "Digo amor y digo libertad" iniciaría una tradición que nunca ha abandonado: dedicar al menos una canción a su novia, como se refiere a ella en ocasiones. En "Digo amor y digo libertad" deja claras algunas de sus ideas respecto al amor, como cuando dice «mejor vivir provisional que la rutina es el amor mortal». El asturiano cree que la provisionalidad es uno de los pilares en los que mejor se sustenta una relación, por aquello de no creer que está todo hecho y que hay que ganarse un poquito cada día el derecho a seguir conviviendo.
9. Hace tres años que he vuelto a nacer
El 20 de noviembre de 1975 había muerto el dictador Francisco Franco. Esta canción nació alrededor de tres años más tarde, de ahí su título. Se trata de una declaración de intenciones y de principios, en los que alienta a la reconstrucción de la sociedad sin olvidar el pasado pero sin conservar los rencores. Una canción musicalmente poco agraciada y que se perdió por el camino, pero que supone un bonito objeto de colección y una reseña histórica de la época.
10. Canción de la esperanza
Los que pensaban que Víctor Manuel abandonaba de pleno su compromiso político se equivocaban de pleno. Lo demostró con "Hace tres años que he vuelto a nacer" y "Canción de la esperanza", esta última haciéndose eco y altavoz de las primeras muestras de desencanto ante la nueva situación política y la recientemente aprobada constitución española, que consolidaba a la mayoría de políticos aperturistas del régimen franquista en los principales órganos democráticos, empezando por el Consejo de Ministros.
«Siempre había pensado que se irían de una vez
nunca había soñado con un rey
es muy desigual esta partida de ajedrez
ellos tienen votos y el poder
prosigamos con la lucha siempre viva en la oficina o el taller
que la historia nos empuja maldiciendo en una mesa de un café
Que no cese la esperanza acorralada
con un voto no cambiamos casi nada
que no cese la esperanza acorralada
muerto el perro no se fue con el la rabia»
Como promoción del álbum, CBS lanzó dos singles, ambos de bastante éxito. El primero de ellos fue "Sólo pienso en ti / Digo amor y digo libertad", estuvo 27 semanas en la lista de los 40 Principales y alcanzó el primer puesto el 23 de abril de 1979, siendo el disco más vendido durante esa semana y las cuatro siguientes. El segundo, "Soy un corazón tendido al sol / Cuélebre" entró a la lista el uno de septiembre, posicionándose directamente en primera posición, la cual revalidó el sábado siguiente, manteniéndose un total de cinco semanas en la lista de las canciones más escuchadas.
Texto de “http://homenajeavictor.blogspot.com/”
30. ALEJANDRO FILIO - "UN SECRETO A VOCES" (1998)
El disco “UN SECRETO A VOCES” con letras de Alejandro Filio, logró reunir a grandes artistas trovadores que cantaron a dueto con él, como: Silvio Rodríguez, Víctor Manuel, Luis Eduardo Aute, Pedro Guerra, Tania Libertad, Alberto Cortez, Alejandro Lerner, Vicente Feliú, León Gieco, Carlos Varela, Amaury Pérez y Raúl Torres, entre otros. El disco fue grabado y producido en España, México, Argentina y Cuba, con el apoyo de todos ellos.2.Sin la luna (Alejandro Filio) *canta Tania Libertad
3.No te cambio (Alejandro Filio) *con Vicente Feliú
4.Un precio (Alejandro Filio) *con León Gieco
5.Hera (Alejandro Filio) *con Víctor Manuel
6.Romina (Alejandro Filio) *con Juan Carlos Baglietto
7.Habrá que creer (Alejandro Filio) *con Pedro Guerra
8.Brazos de sol (Alejandro Filio) *con Gerardo Alfonso
9.Caminábamos (Alejandro Filio) *canta Alberto Cortez
10.Dónde guardo (Alejandro Filio) *con Carlos Varela
11.Pensándote (Alejandro Filio) *con Alejandro Lerner
12.Otro domingo sin sol (Alejandro Filio) *con Amaury Pérez
13.Hermano Lobo (Alejandro Filio) *con Luís Eduardo Aute
14.Del perdón (Alejandro Filio) *con Raúl Torres
15.Eugenia (Alejandro Filio)
Texto de http://musicatrova.com/alejandro-filio/
31. PEDRO GUERRA - "GOLOSINAS" (1995)
Golosinas es el primer álbum del cantautor Pedro Guerra en su recorrido como solista. Su canción más conocida fue sin duda Contamíname la cual también hicieron famosa en España, Ana Belén y Victor Manuel. Se grabó en directo y esta compuesto por 17 temas . "Golosinas" llegó a ser disco de oro.| 1 Biografía 2 Dibujos Animados 3 Hay Mil Maneras De Derrotar A Un Hombre 4 Golosinas 5 El Marido De La Peluquera 6 Rap/A/Duras/Penas 7 Dos Mil Recuerdos 8 Todo Es Desorden 9 Rayas 10 Mujer Que No Tendré 11 Las Gafas De Lennon 12 Hechos De Dente 13 Greta 14 Peter Pan 15 Hazlos Reir 16 Deseo 17 Contamíname |
Texto recopilado de varios sitios de la red.
32. SINTESIS - "ANCESTROS" (1987)
Texto de http://cabezademoog.blogspot.com/2012/08/sintesis-ancestros-1990.html
33. MANOLO TENA - "SANGRE ESPAÑOLA" (1992)
- Sangre española (3:24)
- Quiero beber y no olvidar (5:21)
- Fuego en la piel (4:20)
- Qué te pasa (3:29)
- Sal u limón (3:29)
- Tocar madera (5:12)
- Loco por verte (5:03)
- Desnudo bajo las lluvias (3:29)
- Llévame hasta el mar (4:48)
- Por derecho (5:13)
Después de casi cuatro años, recibe una llamada del vicepresidente de Sony Music Entertainment, Tomás Muñoz, que le propone un contrato con esta compañía a través del sello Epic Music. De dicho contrato, se derivó la grabación del disco "Sangre española" que aparecería en 1992 y que representó un antes y un después en su carrera artística. Llegó a vender más de ochocientos mil discos, éxito que le generó también algunos problemas con el fisco español, no porque no quisiera pagar sino porque no cobraba de la SGAE sus derechos de autor. (texto de wikipedia)
Es inútil resistirse a este "Sangre Española" (Epic, 1992); aún albergando la ilusión de dejar en mejor lugar a "Las Mentiras del Viento" (Epic, 1995) en detrimento de éste porque su riesgo y miras eran mayores, es inútil. Aquí no cabe de hablar de oportunismo, comercialidad, popularidad o fórmula en términos estrictos. Este disco es redondo y punto. Cuando se aúnan calidad y empatía, cuando se pulen las visiones egocéntricas y se logra colaborar con unos músicos que no escatiman autenticidad e intuición con esos estados garabateados, sucede esto. Manolo Tena quedó medio atontado viendo cómo radios y un amplio abanico de población -de edades variadísimas- caían rendidas ante este toreo a la fatalidad, justo en el punto más crítico. Él mismo lo recordaría así: "Estaba en la alcantarilla, sumido casi en la miseria física y moral. Cuando de repente... el vicepresidente de Sony Music, división hispana, me propuso un ¡contrato con la compañía!".
Estamos pues ante uno de los mejores álbumes de pop latino producidos nunca. Hasta ocho sencillos promocionales estuvieron bailando por las ondas hertzianas, varias compañías publicitarias y fechas concretas y karaokes se prodigaron en abrazar las fórmulas de este compacto, y de repente todo el mundo empezaba a bucear en las travesuras de este chico tímido y constante que siempre ha sido Manolo Tena. Estadios, plazas de toros, rendiciones del mainstream, incluso una oda llena de poesía esgrimida en su presentación por su muy amigo y alguna vez rival Joaquín Sabina. A pesar de que en los cortes de este disco Manolo cede las alquimias musicales a amigos y protegidos, es su literatura casi siempre la que lleva las riendas del brío de las canciones y la que enseguida vuelve a iluminar nuestros recuerdos y vivencias asociados a ellas. Toda esta aventura permitió a Manolo cobrarse los réditos de una trayectoria intachable, restablecer su luz propia y percibir la ansiedad de un público ingente, eso sin olvidar la maravillosa oportunidad de detentar medios, productores, músicos cada vez más prestigiosos gracias a la filial de Sony (Epic).
Pero vamos al ruedo. "Sangre española" abre el menú, sin duda uno de los temas más memorables y remezclados del disco. Manolo suele presentar éste como un clásico contemporáneo y quizá no le falte razón. Ambos compositores (Tena, Vargas) alcanzan alturas considerables. Esos tempos tan bien suavizados por la percusión y esa guitarra española hiriente, en los que Manolo irrumpe con versos de añoraza nada poetizados y con uno de sus grandes descubrimientos: "Y el mundo en una caracola". Redonda.
"Quiero beber y no olvidar", más difícil, más agonizante, con un juego de destellos de percusión va construyendo la desesperación, el anhelo, esas preguntas de reconciliación ya perdidas. A mi modo de ver, una de las cumbres poético - sentimentales de su autor. Pequeñas ideas a veces simples engloban muchísimas variables que la imaginación y los recuerdos van retrotrayendo en nuestra retina vital, así pinceladas como: "a veces quiero que nunca se acabe la noche / quiero que no sobreviva el desengaño / quiero sentir la primavera en septiembre", sin olvidar "siempre quiero que todo sea diferente y también que la locura se premie", disparan nuestras evocaciones para culminar en ese estallido de sexualidad y preguntas: "quiero ser mar, sólo consigo espuma / quiero avanzar sólo consigo espuma / sin ti no puedo, por qué no me ayudas / todo se vuelven dudas". Una buena terapia contra el desamor.
Tras ese pórtico que va desde la afirmación aséptica del amor hasta su sufrimiento más visceral se abre la veda de la vitalidad, la despreocupación y unos ritmos contundentes y seductores que atrapan al oyente con gran efectividad ."Fuego en la piel" (que ya analizaremos detalladamente en la reseña del single) entra con sensualidad en este grupo y marca un primer giro de ambientes y huye sin ambages a lo latino, con vientos contagiosos y ebrios. Le sigue esa broma privada de "Qué te pasa", uno de los más radiados y pinchados, juguetón, contagiosamente simple. El propio Enrique Urquijo tomó la inspiración del laberinto propuesto por éste en su "No lo sé". Su intrascendencia es su mejor baluarte, pero su parecido nada casual en lo estrictamente musical con "All that heaven will allow" de Bruce Springsteen ensombrece este éxito.
"Sal y limón" lega un brindis a sus vivencias mejicanas, con pensamientos acariciando el nihilismo, ese todo o nada tan ambiguo y cuyas respuestas nunca importan demasiado. Es una deliciosa venganza a la adversidad, un canto de triunfo pronosticado deslizándose con una potente percusión y vientos glotones, el slogan tan on the road de ya no importa y ya está: "El futuro se disfraza de presente / lo busca todo, necesitas lo que sientes / si no lo entiendes y no lo sientes / inténtalo con sal y limón". Pura intrascendencia, una manera de mirar al vértigo con más vitalidad que razonamiento. Una de las canciones que más habría que recuperar.
Se cierra este viaje por la fauna rítmica con la ilustre y ya sagrada "Tocar madera", una de esas canciones que acompañarán a su autor de manera imperecedera, el himno de todos los martes y viernes 13, la primera épica tenaz sobre el esoterismo, las supersticiones y todo ese largo etcétera de supercherías que tanto apasionan a Manolo -y tanto aborrecemos nosotros. Una canción rompedora, con mucha marcha y que zozobra tu esqueleto sea cual sea tu condición religiosa; otro gran triunfo de este discazo.
Empieza ahora la sección más herida y desnuda de "Sangre Española", su zona en obras desde el punto de vista existencial y amoroso, y sin duda mi preferida. "Loco por verte"funciona a la perfección, la intensidad lírica del letrista sin ser metafísica es culminada y enardecida con gran maestría por la música que parte primero de un fondo alusivo muy desdibujado para ir cobrando agresividad muy bien marcada por batería y los riffs de guitarra en el estribillo. La percusión parece jadear en las estrofas buscando furtiva la unión de los cuerpos, el crimen de los deseos. Sensualidad y pasión en extremos de enajenación.
Para coger un poco de aliento y ya en un descenso que pronto se rebelaría espiritual, "Desnudo bajo las lluvias" reúne a los dos guerreros al borde de la bancarrota sentimental. ¿Quién mejor que Jaime Asúa podría haber vestido una de las mejores letras de despecho del pop español? Sin estribillo, todo réplicas, preguntas, lamentaciones... las guitarras van cargando las tintas de los reproches en una dubitativa escena de despecho y arrepentimiento, siempre in crescendo retrotayéndose en ritmos más lentos y vuelta a empezar hacia la rabia y la desolación.
Otra vez el minimalismo vuelve a asaltar la habitación con este casi gospel hispánico que nos susurra exacto y dolorido Manolo Tena, ¿qué es "Llévame hasta el mar"? Un canto gregoriano para derrotados luchadores tocados por la mano del infortunio? ¿Unadelicatessen mística después del acto de amor? ¿La renuncia completa a la libertad de elección por la pura fragilidad y dirección de la brisa y los vientos? ¿Wl verdadero homenaje del joven José Manuel que tan embelesado quedó por el descubrimiento del mar? Puede ser tantas cosas, a pesar de ser una canción tan sencilla y etérea. A Sabina se le hicieron los dientes largos con esta oda y a nosotros también, aquí Manolo se sentó a conversar con los dioses en un lenguaje que nosotros no entendemos pero que nos atrapa, nos rebela y nos lleva. La música reverencia esa búsqueda y la conduce con fragmentaciones cercanas a ejercicios de intimidad. Un saxo rescatado de la destrozada "Frío" vuelve para hacer valer este viaje infructuoso y eterno; una canción donde por primera vez somos conscientes de que los perdedores necesitaremos la voz de Manolo Tena siempre.
Para cerrar las heridas de estas venas tenemos "Por derecho", que nos recuerda que estamos vivos todavía y que a pesar de nuestra marca de fatalidad: el deseo, la huida y el sexo sigue impulsándonos a una cierta sensación figurada de libertad que por unos segundos puede pertenecernos lo mismo que un grito, una idea o un sueño. Con ritmos electrónicos y una sección de violines, el cantante nos invita a lo prohibido, a estar al acecho de lascivias que nos pertenecen por derecho. Uno de los temas más olvidados de este flagrante disco y que ahora se nos aparece poderoso, apasionado, excesivo.
(Texto de La fonoteca)
34. CAMARON DE LA ISLA - "LA LEYENDA DEL TIEMPO" (1979)
Un disco revolucionario, que espantó en un primer momento a los puristas, para posteriormente ser considerado un clásico. No sólo por la osadía de Camarón de incorporar elementos nunca antes presentes en un disco flamenco, como el bajo eléctrico, sino también por la calidad de los participantes: Tomatito, Raimundo Amador, Kiko Veneno... bajo la producción de Ricardo Pachón.
No fue un éxito de ventas en un primer momento e incluso recibió muchas críticas por parte del público más purista, ya que como recuerda su productor Ricardo Pachón "algunos devolvían el disco porque decían que ese no era Camarón". Camarón, en una entrevista realizada posteriormente a la publicación de La Leyenda del Tiempo, declaraba que "cuando hago un disco no pienso en lo que van a decir, porque yo sé que de momento no lo van a entender, tiene un cierto tiempo para que lo entiendan."
Con motivo del 30 Aniversario, rtve estrenó un documental sobre la grabación de la obra llamado Tiempo de Leyenda.
En 2013 y para celebrar el 35 Aniversario, se reeditó el disco con una edición especial con nuevas mezclas.
La canción que da nombre al disco "La leyenda del tiempo", fue considerada la cuarta mejor canción de la historia del Pop/Rock español, por los lectores de la revista Rolling Stone en su edición española.
La leyenda del tiempo (Federico García Lorca/ Ricardo Pachón) – (Jaleos) 3:41
Romance del Amargo (García Lorca/Pachón) – (Bulerías por soleá) 3:47
Homenaje a Federico (García Lorca/Pachón/Kiko Veneno) – (Bulerías) 4:10
Mi niña se fue a la mar (García Lorca/Pachón/Veneno) – (Cantiñas de Pinini) 3:05
La Tarara (Trad. Arr. Ricardo Pachón) – (Canción) 3:46
Volando voy (Veneno) – (Rumba) 3:25
Bahia de Cádiz (Pachón/Fernando Villalón) – (Alegrías de baile) 2:56
Viejo mundo (Omar Khayyám/Veneno) – (Bulerías) 2:45
Tangos de la Sultana (Antonio Casas/Pachón/Francisco Velázquez) – (Tangos) 4:29
Nana del caballo grande (García Lorca/Pachón) – (Nana) 4:58
(Textos de la varios sitios de internet)
35. VANGELIS - "CHARIOTS OF FIRE" (1981)
Chariots of Fire es una banda sonora compuesta por Vangelis, editada en 1981 por Polydor Records. El álbum fue realizado para el film homónimo del director Hugh Hudson, ganador de cuatro Premios Óscar, siendo uno de ellos otorgado a este disco por Mejor Banda Sonora.
El tema "Jerusalem" no fue escrito ni interpretado por Vangelis, se trata de un poema de William Blake musicalizado por Hubert Parry. Aquí es interpretado por el Coro Ambrosiano.
- Lado A
- "Titles" – 3:25
- "Five Circles" – 5:15
- "Abraham's Theme" – 3:14
- "Eric's Theme" – 4:04
- "100 Metres" – 2:00
- "Jerusalem" – 2:40
- Lado B
- "Chariots of Fire" – 20:34
Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para Carros de fuego (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para En busca del arca perdida. El contenido del álbum en cuestión, tal y como sucederá con el resto de sus futuros trabajos para el cine, no guarda una relación estricta con las piezas utilizadas en la película, sino que éstas son reeditadas y reordenadas para crear una obra musical que funcione como disco de estudio, de cara a su escucha independiente. Es más, a menudo se tiene la sensación mientras se visiona la película Carros de fuego, dirigida por Hugh Hudson, de que en ella están efectivamente los temas del álbum, aunque parcialmente reinterpretados. También aparecen en la película temas del griego, como Hymne, compuesto para el seminal Opera Sauvage. En cualquier caso, debe aclararse que en las demás películas musicalizadas por Vangelis no cabe la menor duda de que los temas utilizados en el montaje se corresponden exactamente con las versiones del álbum, con independencia de que en éste haya temas inéditos o el orden de las piezas varíe.
Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de "creación directa". Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.
(Textos de Wikipedia)
36. FREDDIE MERCURY & MONSERRAT CABALLE - "BARCELONA" (1988)
El último capricho de Freddie Mercury, que fue cantar con una diva de la opera como Monserrat Caballé, se hizo realidad cuando en 1987 y 1988, tres años antes de su muerte, realizó un album “operístico” con el músico Mike Moran.
Pero como no tuvieron mucho presupuesto, todo el álbum casi se hizo completamente con sintetizadores, aunque se incluyen algunos violines de Homi Kanga y algún arreglo de la cellista de Ann Johnston.
(Texto de Julian Muniz)
01.BARCELONA
Se convirtió en el primer sencillo. Se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992, -realizadas en Barcelona (España)- para perdurar en el tiempo como un mito y en ser una de las más emotivas en la historia de la música. La historia empezó cuando Montserrat Caballé le pidió a Freddie que le escribiera una canción dedicada a su ciudad, Barcelona. La historia aún no ha terminado, pues en su constante evolución sonora, y con el paso de los años, “Barcelona” está dando enternecedores significados. Los violines y la sección orquestal marca un ritmo eufórico ante un Freddie Mercury pletórico, además de la fantástica Montserrat.
Desgraciadamente, Freddie falleció ocho meses antes de la inauguración de los Juegos Olímpicos.
Como anécdota curiosa, el video musical –de estética clásica romana- fue filmado en la discoteca más grande del mundo: Privilege, en Ibiza.
02.LA JAPONAISE
Freddie escribió la letra, incluidos los versos en japonés. Cantó algunas partes en falsete que se respetó en la versión final. Es otra de mis favoritas, con instrumentos orientales para acercar al oyente la música antigua de Japón.
Adoro la parte final en que la voz de Montserrat queda suspendida con un piano verdaderamente maravilloso, cautivando finalmente una composición pletórica.
03.THE FALLEN PRIEST
Originariamente, era una pieza para piano creada por Mike Moran, bajo el título de “Rachmaninov´s Revenge”. Cuando se incluyó en el álbum, Tim Rice creó otra letra para la canción, y primero se llamó “The Duet”, para finalmente quedarse con el título que conocemos “The Fallen Priest”. Mike Moran, produjo, dirigió la orquesta, escribió los arreglos y tocó el piano además de los teclados, quedando una melodía sensacional; muy cercana a las sonoridades de Queen. Un dato a comentar, es el intento de innovación casi al final del tema, a reproducir una pequeña parte de la orquestación como un retroceso.
04.ENSUEÑO
Esta posiblemente sea la composición que haya dado el comienzo a esta maravillosa historia de dos artistas universales. Originariamente las letras de este tema fueron de Freddie y su arreglista y pianista Mike Moran, bajo el título de “Exercises In Free Love”. Ésta, fue la que cantó Freddie en falseto, intentando imitar la voz de la soprano en el jardín del Hotel Ritz de Barcelona, (había instalado un equipo de sonido impresionante para que sonara cuando llegara Montserrat). Más adelante, Montserrat Caballé añadió versos y se convirtió en la que conocemos en el álbum: “Ensueño”. Se puede apreciar a Freddie Mercury en su papel de registro operístico, como virtuosamente deja atrás su lado de rockero inquieto para canalizar junto a Montserrat, una técnica vocal de una pulcritud exquisita. El piano suena sublime y el tema estremece a cualquiera.
05.THE GOLDEN BOY
Fue el segundo sencillo del álbum. En esta composición aparece un espléndido coro de góspel (compuesto por Madeline Bell, Debbie Bishop, Lance Ellington, Miriam Stockley, Peter Straker, Mark Williamson y Carol Woods), extraordinario tema operístico donde el registro lírico de Montserrat Caballé aflora con el góspel y el soul.
Es otro de los descubrimientos más interesantes y fascinantes del disco.
06.GUIDE ME HOME
Originariamente se iba a titular “Obertura de Freddie”. Unas notables notas de piano acarician la introducción de esta composición, una de las más íntimas y personales del repertorio. Es la canción más corta del álbum, pero tanto Freddie como Montserrat se muestran en todo su esplendor. Me parece una pieza muy primaveral, como un despertar de la naturaleza.
07.HOW CAN I GO ON
Con una línea sonora continuando a la anterior, esta composición nuevamente con una línea de góspel y de ópera rock, se va desarrollando en elegancia, y crece con una sensibilidad impresionante. Por cierto, al bajo aparece un invitado muy especial: John Deacon. Fue el tercer sencillo del álbum.
08.OVERTURE PICCANTE
Esta composición es una mezcla de partes de otras canciones en una nueva pieza casi instrumenta, revelando un redescubrimiento de las sonoridades más desnudas, hasta la ópera más clásica, de la representación más enternecedora al testimonio más intangible.
El álbum vendió un millón de copias y su single llegó a la cima de las listas musicales cuando fue elegido por la BBC como su sintonía a la hora de cubrir las olimpiadas.
(Texto de Joan Navas)
37. LUIS PASTOR - DIARIO DE A BORDO" (1996)
Conocia a Pedro Guerra desde los 80's cuando aun era parte del grupo taller canario, y le entrego un diario que venia escribiendo desde hacia algunos años, en 15 dias Pedro musico 18 de aquellos poemas, con la fuerza y la calidad que le caracteriza. Asi nace "Diario de a bordo" que todavia tendria que eseperar algunos años a medio grabar por las dificultades economicas para completar sus grabaciones y su edicion.
1.Que me busque el agua (Luis Pastor - Pedro Guerra)
2.Mi dulce canción (Luis Pastor - Pedro Guerra)
3.Dulce de nata (Luis Pastor - Pedro Guerra)
4.Mar de lágrimas (Luis Pastor - Pedro Guerra)
5.Llegaste (Luis Pastor - Pedro Guerra)
6.Ángel caído (Pedro Guerra)
7.Soledades (Luis Pastor - Pedro Guerra)
8.Violín sin funda (Luis Pastor - Pedro Guerra)
9.Lluvia de mayo (Luis Pastor - Pedro Guerra)
10.Pasajero del amor (Luis Pastor - Pedro Guerra)
11.Luna menguante (Luis Pastor - Pedro Guerra)
12.Por esos días (Luis Pastor - Pedro Guerra)
13.Buhardilla (Luis Pastor - Pedro Guerra)(Texto O.P.)
38. SANTIAGO FELIU - "VIDA" (1986)
- Ayer y Hoy Enamorado
- Amigo Dibujo
- Batallas Sobre Mí
- Palomas por la Vida
- Carta y Suerte de Tener a Gunila
- Para Bárbara
- Vida
- Cuando en tu Afán de Amanecer
- Sólo Arcoiris
- De Cualquier Modo
Este zurdo trovador y tartamudo, que toca sin invertir las cuerdas de su guitarra, logra un sonido muy peculiar al quedarle los bajos 'abajo' y los agudos 'arriba', consiguiendo un sonido muy propio, así como propia ha sido la técnica que se ha tenido que inventar este joven compositor y cantante.
El primer gran tema que recuerda siempre el publico de Santiago es “Para Barbara” defendida por Silvio en uno de aquellos maravillosos concursos que se hacían en Cuba llamado “Guzmán”, desaparecido músico cubano así como también desaparecido es el evento mencionado. Después fue apareciendo muy lentamente junto a otros músicos del movimiento de la nueva trova. Especialmente sus presentaciones con Donato Poveda en diversos escenarios y las grabaciones conjuntas les dieron muy tempranamente el seudónimo entre sus admiradores de herederos de Silvio y Pablo.
Su primer disco “Vida” data de 1986, es la carta de presentación de este artista, que logra convertir este álbum en todo un clásico, dentro de las producciones discográficas de la nueva trova, además de contener sus temas imprescindibles, es un muestrario de las influencias y tendencias de su obra. Presente esta la música pre renacentista europea, toda la gama de diferentes culturas latinoamericanas, la trova cubana nueva y vieja, rock sinfónico, country music y otros acercamientos.
El publico Argentino muy especialmente le acoge con gran fervor y realiza en ese pais diversas grabaciones para discos propios y ajenos, debiendo destacarse el disco “Trovadores” grabado en directo en 1987 con la participación de Fito Páez, León Gieco, Abonizio y Juan Carlos Baglietto, primerísimas figuras del panorama musical Argentino.
(Texto O.P. para "Un fenomeno llamado Santiago Feliu" (La sanfralixis / domingo 31 de enero 2010)
39. ABBA - "ALBUM" (1977)
The Album es el nombre del quinto álbum de estudio publicado por el grupo sueco ABBA a fines de 1977. El disco fue lanzado en conjunto con ABBA: The Movie. El álbum fue elaborado en casi seis meses, convirtiéndolo en uno de los discos del grupo que tuvo menor periodo de grabación, después del álbum Waterloo, que fue completado en cuatro meses.
La historia de la elaboración de The Album comienza en el otoño de 1976, mientras ABBA ensayaba para su tour del siguiente año, el grupo sintió que debían poner algo extra en sus conciertos para hacer su gira más especial. Björn y Benny llegaron a la idea de un mini-musical de 20 minutos, llamado The Girl With The Golden Hair que sería interpretado casi al final de los conciertos, antes de las repeticiones. La historia se centraba en una chica que soñaba con ser cantante, dejando su pequeño pueblo para tener una carrera exitosa, pero al final se encuentra atrapada por su propia fama.
Cuatro nuevas canciones fueron escritas específicamente para el mini-musical: "Thank You For The Music", "I Wonder (Departure)", "I'm A Marionette" y "Get On The Carousel". Cuando el tour terminó se decidió que las tres primeras canciones debían incluirse en su próximo álbum. "Get On The Carousel", sin embargo, era más un número en vivo, con muchas partes instrumentales y repetitivas y no fue incluido en el álbum.
Así, ABBA comenzó a grabar su quinto LP, The Album, el 31 de mayo de 1977, dos meses después de concluir su tour por Europa y Australia. Poco antes de que la grabación del álbum comenzara, Björn, Benny y su ingeniero de sonido Michael B. Tretow fueron de viaje a Los Ángeles. Como resultado directo de la visita, dos canciones fueron escritas: la primera provisionalmente llamada "A Bit Of Myself", se convertiría en "The Name Of The Game", gracias a la ayuda de Stig Anderson, la cual sería lanzada como el primer sencillo del álbum en octubre de 1977. Al día siguiente la pista de "Scaramouche" fue grabada, aunque no fue lanzada hasta 1994 como parte del ABBA Undeleted.
Los dos primeros días de junio, ABBA grabó la segunda canción inspirada en ese viaje, dándole primero el nombre de "High, High" fue transformada en "Eagle", cuya letra escribió Björn inspirado en la novela Jonathan Livingston Seagull y fue lanzada como tercer sencillo del álbum. También en esos días, el grupo comienza a trabajar en la primera canción de su mini-musical. La primera versión de "Thank You For The Music" fue grabada el 2 de junio, era una versión más sencilla, con la voz de Agnetha inspirada en la cantante americana Doris Day. Sin embargo, el 21 de julio, la canción fue regrabada con diferentes arreglos, y así poder ser incluida al álbum. La primera versión (llamada Doris Day version), fue incluida como bonus track más adelante.
El 18 de julio el trabajo en el nuevo álbum se reanuda, con la grabación de "One Man, One Woman". El 19 de julio es grabada "I Believe In You" (nunca ha sido publicada) y de otra canción del mini-musical, "I'm A Marionette". El 2 de agosto se graba la última canción restante del mini-musical: "I Wonder (Departure)".
El 3 de agosto parte de la canción "Get On The Carousel" es usada en la pista de "High On Your Love", que se incluiría en el disco con el título de "Hole In Your Soul". Ese mismo día comienzan los trabajos en la pista de "Billy Boy" y el 4 de agosto, ya con la letra, esa canción se convierte en "Take A Chance On Me", segundo sencillo del álbum. Finalmente, el 10 de octubre, "Love For Me Is Love Forever" adquiere una nueva letra, y se convierte en "Move On", finalizando así el trabajo en el álbum.
A
1 Eagle5:47
2 Take A Chance On Me4:03
3 One Man, One Woman4:32
4 The Name Of The Game4:52
B
1 Move On4:41
2 Hole In Your Soul3:40
3 Thank You For The Music3:50
4 I Wonder (Departure)4:33
5 I'm A Marionette4:03
(Texto de wikipedia)
40. MERCEDES SOSA - "EN ARGENTINA" (1982)
Álbum en vivo de Mercedes Sosa que recoge parte de las presentaciones realizadas por La Negra en el Teatro Ópera de Buenos Aires entre el 18 y el 28 de febrero de 1982. El disco contó con la participación de varios otros artistas de renombre, como Charly García, León Gieco, Ariel Ramírez, Antonio Tarragó Ros, Raúl Barbosa, Rodolfo Mederos y otros.
La versión original fue publicada por Philips en un doble LP de 20 temas, que salió a la venta en 1982 en varios países (Argentina, España, Ecuador, Francia). Versiones posteriores (especialmente aquellas editadas en los 80s en Alemania por el sello Tropical Music) han reducido el número de tracks.
01. Soy pan, soy paz, soy mas [Luis Ramón Igarzábal – Piero] (4:46)
02. Drume negrita [Eliseo Grenet] (2:25)
03. Sueño con serpientes [Silvio Rodríguez] (5:05)
04. María va [Antonio Tarragó Ros] (4:00)
05. Al jardín de la República [Virgilio Carmona] (2:42)
06. Gracias a la vida [Violeta Parra] (4:55)
07. Alfonsina y el mar [Félix Luna – Ariel Ramírez] (5:20)
08. El cosechero [Ramón Ayala] (3:17)
09. Como la cigarra [María Elena Walsh] (2:41)
10. Solo le pido a dios [León Gieco] (4:39)
11. La flor azul [Mario Arnedo Gallo – Antonio Rodríguez Villar] (3:15)
12. Los hermanos [Atahualpa Yupanqui] (3:58)
13. La arenosa [Manuel José Castilla – Gustavo Leguizamón] (3:01)
14. Años [Pablo Milanés] (3:23)
15. Los mareados [Enrique Cadícamo – Juan Carlos Cobián] (5:50)
16. Cuando ya me empiece a quedar solo [Charly García] (3:45)
17. Volver a los 17 [Violeta Parra] (4:50)
18. Fuego en Anymaná [Armando Tejada Gómez – César Isella] (3:29)
19. Polleritas: a) pollerita colorada, b) carnavalito del duende, c) pollerita [Julio Santos Espinosa – Manuel José Castilla – Gustavo Leguizamón – Raúl Shaw Moreno] (4:44)
20. Canción con todos [Armando Tejada Gómez – César Isella] (4:13)
03. Sueño con serpientes [Silvio Rodríguez] (5:05)
04. María va [Antonio Tarragó Ros] (4:00)
05. Al jardín de la República [Virgilio Carmona] (2:42)
06. Gracias a la vida [Violeta Parra] (4:55)
07. Alfonsina y el mar [Félix Luna – Ariel Ramírez] (5:20)
08. El cosechero [Ramón Ayala] (3:17)
09. Como la cigarra [María Elena Walsh] (2:41)
10. Solo le pido a dios [León Gieco] (4:39)
11. La flor azul [Mario Arnedo Gallo – Antonio Rodríguez Villar] (3:15)
12. Los hermanos [Atahualpa Yupanqui] (3:58)
13. La arenosa [Manuel José Castilla – Gustavo Leguizamón] (3:01)
14. Años [Pablo Milanés] (3:23)
15. Los mareados [Enrique Cadícamo – Juan Carlos Cobián] (5:50)
16. Cuando ya me empiece a quedar solo [Charly García] (3:45)
17. Volver a los 17 [Violeta Parra] (4:50)
18. Fuego en Anymaná [Armando Tejada Gómez – César Isella] (3:29)
19. Polleritas: a) pollerita colorada, b) carnavalito del duende, c) pollerita [Julio Santos Espinosa – Manuel José Castilla – Gustavo Leguizamón – Raúl Shaw Moreno] (4:44)
20. Canción con todos [Armando Tejada Gómez – César Isella] (4:13)
(tomado de http://perrerac.org/argentina/mercedes-sosa-mercedes-sosa-en-argentina-1982/3183/)
41. JOHN LENNON - "COLLECTION" (1989)
The John Lennon Collection es el primer álbum publicado tras el asesinato de Lennon el 8 de diciembre de 1980. El álbum incluye varios de los singles del músico y una selección de canciones de sus álbumes en solitario grabados entre 1970 y 1975 para EMI, así como otros temas de su último álbum de estudio, Double Fantasy, publicado por Geffen Records en 1980. (EMIadquiriría los derechos de distribución de Double Fantasy en 1989).
La selección de canciones incluidas en la primera parte del álbum es similar a Shaved Fish, el primer y único álbum recopilatorio de la carrera de Lennon recopilado por el músico, con la excepción de los temas "Cold Turkey" y "Mother", que serían sustituidos por "Love" y "Woman Is The Nigger Of the World". La segunda mitad del álbum incluye la versión de "Stand By Me", grabada para el álbum Rock 'n' Roll, y casi todas las canciones registradas para Double Fantasy.
En los Estados Unidos, el álbum vería la luz con una lista de canciones alterada, con "Happy Xmas (War Is Over)" y "Stand By Me" excluidas de la configuración final. En 1989, tras la adquisición de los derechos de distribución de Double Fantasy por parte de EMI, The John Lennon Collection sería remasterizada y reeditada a nivel global con dos temas adicionales para la edición en disco compacto: "Move Over Ms. L" y "Cold Turkey". La reedición en Estados Unidos de The John Lennon Collection en 1989 no incluiría los dos temas adicionales añadidos a la edición británica, pero sí rescataría de la primera edición "Happy Xmas (War Is Over)" y "Stand By Me".
Como primera publicación póstuma de Lennon, The John Lennon Collection tuvo reseñas positivas y alcanzó el primer puesto en el Reino Unido, a pesar de llegar tan sólo al #33 en Billboard, donde sería certificado al poco tiempo como triple disco de platino. En el Reino Unido, "Love" sería publicado como single, alcanzando el puesto #41 en las listas.
Las fotos de la portada y la contraportada de The John Lennon Collection fueron tomadas por Annie Leibovitz el 8 de diciembrede 1980, el mismo día que fue asesinado a las puertas de su hogar por Mark David Chapman.
A1 Give Peace A Chance
A2 Instant Karma
A3 Power To The People
A4 Whatever Gets You Thru The Night
A5 #9 Dream
A6 Mind Games
A7 Love
A8 Happy Xmas (War Is Over)
B1 Imagine
B2 Jealous Guy
B3 Stand By Me
B4 (Just Like) Starting Over
B5 Woman
B6 I'm Losing You
B7 Beautiful Boy (Darling Boy)
B8 Watching The Wheels
B9 Dear Yoko
(Texto de wikipedia)
42. BARBRA STREISAND - "GUILTY" (1980)
"Guilty" (Barry Gibb, Maurice Gibb, Robin Gibb) – 4:23
"Woman in Love" (B. Gibb, R. Gibb) – 3:49
"Run Wild" (B. Gibb, R. Gibb) – 4:06
"Promises" (B. Gibb, R. Gibb) – 4:20
"The Love Inside" (B. Gibb) – 5:08
"What Kind of Fool"* (B. Gibb, Albhy Galuten) – 4:06
"Life Story" (B. Gibb, R. Gibb) – 4:38
"Never Give Up" (B. Gibb, A. Galuten) – 3:44
"Make It Like A Memory" (B. Gibb, A. Galuten) – 7:28
Sencillos como Woman in love, Guilty y What kind of fool, estos dos últimos eran duetos entre Streisand y Gibb, hicieron que Guilty se convirtiera en todo un superventas y llegara al nº1 de la lista de Billboard veinticinco años atrás. Además, el corte que daba título al elepé consiguió un Grammy por la Mejor Interpretación Vocal de Pop de Dúo o Grupo.
Guilty (1980), aparte de los singles de éxito que generó, es uno de los álbumes más importantes de la carrera de Barbra Streisand y uno de los más vendidos de la historia con más de 12 millones de ejemplares en todo el mundo, 5 de ellos sólo en Estados Unidos. De hecho, recientemente, para conmemorar el 25 aniversario de su edición, se ha puesto en ciurculación en EE UU una nueva versión en DualDisc (CD+DVD en un mismo disco).
(Texto de wikipedia)
43. AL JARREAU - "ACCENTUATE THE POSITIVE" (2004)
"Cold Duck" (Harris, Jarreau)
"The Nearness of You" (Carmichael, Washington)
"I'm Beginning to See the Light" (Ellington, George, Hodges, James)
"My Foolish Heart" (Washington, Young)
"Midnight Sun" (Hampton, Burke & Mercer)
"Accentuate the Positive" (Arlen, Mercer)
"Betty Bebop's Song" (Jarreau, Ravel)
"Waltz for Debby" (Evans, Lees)
"Groovin' High" (Gillespie, Jarreau)
"Lotus" (Grolnick, Jarreau)
"Scootcha Booty" (Ferrante, Jarreau)
(Texto de wikipedia)
44. ELVIS PRESLEY - "IF I CAN DREAM" (2015)
Se trata de un trabajo titulado If I can dream cuya principal característica es escuchar su voz acompañada de la Royal Philharmonic Orchestra británica.
El álbum combina canciones poco conocidas pero ideales para acompañamiento orquestal y éxitos, como It’s Now Or Never, You’ve Lost That Loving Feeling, Bridge Over Troubled Water, Can’t Help Falling In Love, In The Ghetto, How Great Thou Art y An American Trilogy.
Además, las 14 canciones abarcan toda la carrera de Elvis Presley, que empezó a principios de los 1950 y acabó con su muerte en 1977, a los 42 años. El proyecto requirió 15 meses de trabajo entre Priscilla Presley y los productores Don Reedman y Nick Patrick.
“Elvis no usaba grandes orquestas en sus estudios de grabación”, explicó Reedman, el padre de la idea. “Me parecía que este hombre necesitaba una gran orquesta para complementar su voz asombrosa”, agregó.
El disco incluye un dueto con el cantante canadiense Michael Buble en la canción Fever, con un acompañamiento orquestal que le da un aire de canción principal de una película de James Bond.
La extracción de la voz de Presley de las cintas originales llevó horas de minucioso trabajo, utilizando tecnología moderna para borrar la música que se filtraba de sus auriculares al micrófono vocal.
http://peru21.pe/espectaculos/elvis-presley-if-can-dream-nuevo-disco-acompanado-royal-philarmonic-orchestra-2229529
45. DJAVAN - "LUZ" (1982)
1. Samurai
2. Luz
3. Nobreza
4. Capim
5. Sina
6. Pètala
7. Banho de Rìo
8. Açai
9. Esfinge
10. Minha Irma
2. Luz
3. Nobreza
4. Capim
5. Sina
6. Pètala
7. Banho de Rìo
8. Açai
9. Esfinge
10. Minha Irma
Gracias a la buena aceptaciòn que tiene SEDUZIR Djavan viaja a Estados Unidos como un mùsico consagrado grabando para la CBS. Cuenta con la participaciòn de Stevie Wonder en el tema "Samurai",con leves guiños funk, donde se nota claramente su influencia, y con el notable mùsico instumentista Ernie Watts.
A diferencia de su antecesor el disco es 100% jazzero, mezclado con buenos arreglos de cuerdas y vientos, como el caso de las melancòlicas "Nobreza" y "Banho de Rìo". En "Capim" vemos una base de bossa con un solo de synth bien jazz-rock.
La mayorìa de los tracks son netamente jazzeros, con el gran dinamismo que posee la voz de Djavan a la hora de frasear las partes instrumentales ("Luz" y "Samurai").
Disco muy recomendado, que nos demuestra que bien van de la mano lo intimìsta de la mùsica brasilera con el jazz.http://laguitarraenlaventana.blogspot.com/2008/07/djavan-luz-1982.html
46. CARLOS VARELA - "COMO LOS PECES" (1995)
- Como Un Angel
- Solo Tú (Puedes Traer El Sol)
- Graffiti De Amor
- Hombre De Silicona
- Foto De Familia
- Como Los Peces
- Grettel
- El Niño, Los Sueños Y El Reloj De Arena
- La Política No Cabe En La Azucarera
- El Leñador Sin Bosque
- Habáname
Como Los Peces es el disco más popular de Carlos Varela hasta el momento. El disco fue el ganador del premio ONDAS de España en la categoría de Artista Revelación Latino en 1995. En este disco, Carlos se hace acompañar por su banda “Señal En El Asfalto”, la cual lo acompañó en los inicios de su carrera y durante la mayoría de los polémicos e inolvidables conciertos de principios de los 90s en La Habana. La mayoría de los temas de este disco se convirtieron en temas antológicos de Carlos Varela y del repertorio de sus presentaciones en vivo en cualquier parte del mundo. Aparecen en este disco además: Joaquín Sabina, Tino de Geraldo y Atxi Urchegui.
http://carlosvarela.com/audio/como-los-peces/
En 1994 sale a la luz “Como los peces” un disco que se retardo muchísimo su aparición en Cuba, y aun después muy limitado. Con colaboraciones como la de Joaquín Sabina y otros importantes músicos españoles, fue grabado totalmente en Madrid y es un disco con una calidad indiscutible, un sonido muy logrado, una estructuración muy bien equilibrada en cuanto a temas, diseño, arreglos, etcétera y además por el momento tan difícil que atravesaba la sociedad cubana ese año que masivamente los balseros decidieron largarse de Cuba, se revelo el pueblo en las calles de la Habana, el régimen se hizo el loco y termino Clinton cerrando las puertas y enviándolos a la base de Guantánamo. Todo ese ambiente, ese momento, es el reflejo que da el disco en el recuerdo de la sociedad cubana que vivió esos instantes. Temas como “La política no cabe en la azucarera” “Habaname” o el propio “Como los peces” que parte de la canción “Lagrimas negras” de Matamoros, son un buen ejemplo de ello.
(Texto O.P. para "Un paseo por la obra de Carlos Varela" (La sanfralixis / jueves 8 de enero 2009)
47. PABLO MILANES - "QUERIDO PABLO" (1985)
De Qué Callada Manera & Ana Belen
Son De Cuba A Puerto Rico
Yo No Te Pido & Miguel Rios
Pobre Del Cantor
Cuánto Gané, Cuánto Perdí
Yo Pisaré Las Calles Nuevamente & J.M.Serrat
Amo Esta Isla
El Tiempo, El Implacable, El Que Pasó & L.E.Aute
Canción Por La Unidad Latinoamericana
Quien Me Tienda La Mano Al Pasar
La Vida No Vale Nada & Chico Buarque
Años & Mercedes Sosa
No Me Pidas
Para Vivir & Amaya
Amor & Victor Manuel
Te Quiero Porque Te Quiero
El Breve Espacio En Que No Estás & Silvio Rodriguez
Si El Poeta Eres Tú
Tengo
Homenaje
Álbum de estudio donde Pablo Milanés interpreta canciones clásicas de su repertorio, que canta a dúo con algunos artistas —fundamentalmente españoles—, que vienen a expresar su amistad, cariño y admiración por el trovador cubano. Entre quienes acompañan a Milanés en este trabajo figuran: Ana Belén, Miguel Ríos, Joan Manuel Serrat, Luis Eduardo Aute, Chico Buarque, Mercedes Sosa, Amaya Uranga, Víctor Manuel y Silvio Rodríguez.
Todas las canciones pertenecen en letra y música a Pablo Milanés, excepto: “Canción” y “Tengo” que son poemas de Nicolás Guillén musicalizados por Milanés.
El álbum fue publicado en España por el sello Ariola en un doble LP (XD-302485) que apareció a la venta en 1985. La producción estuvo a cargo de Víctor Manuel y la dirección orquestal fue obra de Geoff Westley.
http://perrerac.org/cuba/pablo-milanes-querido-pablo-1985/5579/
48. CARLOS VIVES - "CLASICOS DE LA PROVINCIA" (1993)
1 La Gota Fría
2 Amor Sensible3 Matilde Lina
4 La Hamaca Grande
5 La Cañaguatera
6 Pedazo De Acordeón
1 Alicia Adorada
2 El Cantor De Fonseca
3 La Tijera
4 Compae Chipuco
5 Lirio Rojo
6 Honda Herida
7 Contestación A La Brasilera (Fragmento)
Clásicos de la provincia es el nombre del sexto trabajo discográfico del cantautor colombiano Carlos Vives, el primero con la disquera Sonolux, este fue un álbum enfocado en el folclor vallenato, consistía en hacer versiones nuevas de clásicos vallenatos, pero con un sonido más comercial y fusionando el vallenato con instrumentos de la cumbia, y también del rock.Luego del álbum que grabó de la banda sonora de "Escalona", Carlos pasó un proyecto para grabar un siguiente disco, pero las directivas de Sony Music, le dieron un no al proyecto, ya que pensaron que como no tenía el apoyo de la novela, y tomando en cuenta que los discos anteriores de Vives no tuvieron éxito, con este tampoco lo tendría.
Pero en ese entonces, la disquera colombiana Sonolux, recibió el proyecto de Vives y sacó al mercado en 1993 "Clásicos de la Provincia", que fue un golpe bajo para las directivas de Sony Music, ya que el disco se convirtió en un clásico inmemorial, proyectando el vallenato al escenario continental y mundial con su éxito "La Gota Fría".
Texto de wikipedia
49. JUAN LUIS GUERRA & 440 - "OJALA QUE LLUEVA CAFE" (1990)
1 Visa para un sueño
2 Ojalá Que Llueva Café
3 Razones
4 De Tu Boca
5 La Gallera
6 Woman Del Callao
7 Reina Mia
8 Angel Para Una Tambora
Este álbum representa el inicio de la consagración internacional de Guerra, pues obtuvo ventas tales que se colocó en el primer puesto en muchos países de América Latina, siendo los temas más promocionados la canción que da título al disco, Visa para un sueño y lacanción venezolana Woman del Callao dada a conocer previamente por el grupo Un Solo Pueblo.
Ojalá que llueva café es el nombre del cuarto álbum de estudio del cantante y compositor dominicano Juan Luis Guerra. Fue lanzado al mercado por Karen Records en 1989. Es el primer éxito multinacional a gran escala de Juan Luis Guerra & 4.40.
Este disco incluye el sencillo "Ojalá que llueva café", La canción de corte social más emblemática de Juan Luis Guerra de gran éxito, cuyo audiovisual dirigido por Peyi Guzmán rodado en la Región Sur de la República Dominicana es considerado el mejor video musical dominicano de todos los tiempos según el Top 15 Videos Musicales de República Dominicana de los Premios Videoclip Awards
50. EAGLES - "HOTEL CALIFORNIA" (1976)
1 Hotel California
2 New Kid In Town
3 Life In The Fast Lane
4 Wasted Time
5 Wasted Time (Reprise)
6 Victim Of Love
7 Pretty Maids All In A Row
8 Try And Love Again
9 The Last Resort
Hotel California, el quinto álbum de The Eagles. Fue editado en 1976, vendió 16 millones de copias en Estados Unidos y el doble en todo el mundo.
Aunque ya habían tenido éxito con los trabajos anteriores, Hotel California fue "el cénit de The Eagles", dijo Frey en 1992. "Lo que teníamos que contar se juntó con nuestro aprendizaje para hacer discos". El álbum selló la reputación de la banda y su propio destino.
La canción que dio nombre al disco sigue siendo la más famosa: una larga e intrincada balada de rock con un solo de guitarra considerado como el mejor de todos los tiempos.
Aunque habla de un hotel de lujo, es realmente una alegoría de la vida hedonista que los músicos disfrutaban en los años 70.
O al menos esa es la interpretación más popular, ya que se rumorea que también hablaba de la adicción a la heroína, del canibalismo y de la devoción al demonio (la portada del disco muestra supuestamente a Anton LaVey, líder de la Iglesia de Satán).
El perfeccionismo dio resultados. Hotel California es la canción que más ha perdurado. En la radio de Reino Unido se escucha más de 200 veces al mes y ha sido versionada por artistas tan diversos como The Gipsy Kings, The Killers y Frank Ocean.
Cuando un avión espía de Estados Unidos hizo un aterrizaje de emergencia en China en 2001, la tripulación fue forzada a recitar las letras para probar su nacionalidad. Al parecer, los captores chinos consideraban que la canción simbolizaba a EE.UU.
El álbum, que también contiene los singles "New Kid In Town" y "Life In The Fast Lane", "fue el mejor trabajo que hicimos juntos", presumió Frey en 1992.
"Rebosábamos confianza. No teníamos miedo de buscar riesgos. Y teníamos un par de guitarristas muy prolíficos".
http://www.bbc.com/mundo/noticias/2016/01/160119_glenn_frey_eagles_hotel_california_dgm
51. THE BEATLES - "ABBEY ROAD" (1969)
52. PAUL SIMON - "GRACELAND" (1986)
53. PACO DE LUCIA - "FUENTE Y CAUDAL" (1973)
A partir de su encuentro con Camarón y hasta principios de la década de los setenta, su actividad artística se reparte entre sus recitales como solista y la grabación de discos en solitario o acompañando a Camarón. En 1973 graba " Fuente y Caudal " disco en que se incluye la rumba "Entre dos aguas", tema este que constituye una verdadera sensación, situándolo en la cima de su popularidad.
"Fuente y Caudal" marcó un hito en la imagen de Paco de Lucía además de por el éxito ,antes indicado de la rumba "Entre dos aguas" que fue incluida en el disco en el último momento, por la novedad de introducir en el disco, el acompañamiento de bongós y bajo eléctrico.
54. PEDRO GUERRA & ANGEL GONZALEZ - "LA PALABRA EN EL AIRE" (2003)
Este disco, que ademas de ser un paréntesis en la obra de Pedro Guerra, es un homenaje a un gran poeta, quien incluso comparte mano a mano, voz a voz, el disco con Pedro.
La poesía de desliza con facilidad entre las cuerdas de las guitarras y los acordes exactos, para llegar entonces cada palabra, cada suspiro, del propio poeta, convertido en cancion, al publico en general. Descubrimos a un Pedro certero en la musicalizacion, en ceder espacio a uno de los mas grandes poetas vivos (en ese instante) de la lengua Hispana.
Un disco intimo, que se escapa veloz, nos deja con ganas de mas. Sin lugar a dudas una maravilla a tener en cuenta, entre la difícil tarea de musicalizar a poetas. (O.P)
55. PLACIDO DOMINGO - "SIEMPRE EN MI CORAZON" (1983)
56. PEDRO GUERRA (JOAQUIN SABINA Y VARIOS) - "CIENTO VOLANDO DE CATORCE" (2016)
57. BRUCE SPRINGSTEEN - "BORN IN THE USA" (1984)
58. PINK FLOYD - "DARK SIDE OF THE MOON" (1973)
59. CHARLY GARCIA - "UNPLUGGED MTV" (1995)
60. AL STEWART - "YEAR OF THE CAT" (1976)
61. AMAURY PEREZ - "CANTA A JOSE MARTI" (1978)
62. ROY BROWN - "AIRES BUCANEROS" (1978)
63. WILLIE COLON Y RUBEN BLADES - "SIEMBRA" (1978)
64. OSCAR DE LEON - "CANTA LA MUSICA CUBANA" (1997)
65. WILLIE CHIRINO - "OXIGENO" (1991)
66. JUAN LUIS GUERRA Y 440 - "BACHATA ROSA" (1991)
67. ALBERTO CORTEZ - "GRANDES EXITOS" (1987)
68. TRACY CHAPMAN - "TRACY CHAPMAN" (1988)
69. BOB MARLEY - "LEGEND" (1984)
70. ANDREA BOCELLI - "ROMANZA" (1996)
71. LES LUTHIERS - "HACEN MUCHAS GRACIAS DE NADA" (1980)
72. ENYA - "THE CELTS" (1987)
73. SINEAD O'CONNOR - "I DO NOT WANT WHAT I HAVEN'T GOT" (1990)
74. JOHN DENVER - "THE VERY BEST OF" (1999)
75. FLEETWOOD MAC - "TANGO IN THE NIGHT" (1987)
76. JAVIER LIMON - "MUJERES DE AGUA" (2010)
77. CELIA CRUZ - "LA NEGRA TIENE TUMBAO" (2001)
78. CHARLES AZNAVOUR - "LO MEJOR DE" (2005)
79. MARIA TERESA VERA - "VEINTE AÑOS " (1958)
80. ABBA - "SUPER TROUPER" (1980)
51. THE BEATLES - "ABBEY ROAD" (1969)
Abbey Road es en realidad el último disco de estudio de The Beatles, ya que a pesar de que fue lanzado antes que Let It Be, su grabación en los míticos estudios londinenses tuvo lugar varios meses después. Con los problemas internos en la banda a flor de piel y la disolución definitiva esperándolos a la vuelta de la esquina, ignoraban que ésta fuera la última grabación del que durante casi una década había sido el grupo de más éxito e influencia en todo el mundo, aunque la sensación de estar alcanzando el final de un camino y de una época sí se había afianzado en el ambiente que los rodeaba.
Allá por abril de 1969 y tras la incómoda experiencia, por decirlo delicadamente, de grabar Let It Be, Paul hizo una petición muy simple y a la vez muy compleja al omnipotente George Martin. Un disco como los de antes, un disco como los que grababan antes de que todo se viniera abajo, cuando tenían el mundo a sus pies y a sus guitarras. Y Martin aceptó, tomando las riendas, una vez más, de aquel carro que ya se había desbocado sin remedio.
‘Come Together‘, la apertura de la cara A, deja claro ese retorno al guitarreo sin perder de vista la influencia más psicodélica de sus últimos trabajos en Yellow Submarine y Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Fue lanzada como single doble junto con ‘Something‘, personalmente mi favorita del álbum, una balada escalofriante en la que George Harrison se termina descubriendo como un excelente compositor cuyas dotes fueron eclipsadas, quizá injustamente, por las del dúo McCartney/Lennon. Es aquí donde la voz de John deja un último trazo de genialidad, ajustando su perfecto tono rasgado del rock a la suavidad de los compases del lento.
‘Maxwell’s Silver Hammer‘ en cambio no consigue mantenerse a la altura de sus dos predecesoras, siendo señalada por Lennon como otro de los temas de abuela de Paul y negándose a participar en la grabación del tema, y con el resto de la banda completamente hastiada de las eternas sesiones de grabación que fueron necesarias para dejarla concluída.
‘Oh! Darling‘ en cambio retoma esa sensación nostálgica sin ningún problema, a pesar de que la voz de Lennon, mucho más dura y capaz de romperla en la garganta habría sido mucho más apropiada para el estilo que la voz de Paul, siempre tan inmaculada. Sin embargo, al ser él el compositor del tema, John no entró a cuestionar si debía haber grabado él o no la canción, aunque él mismo creyó que debía haber sido así.
La cara A concluye con ‘Octopus’s Garden‘, una clara muestra de la fusión de la psicodelia más reciente y el rock de los primeros años, y ‘I Want You (She’s So Heavy)‘, donde Yoko Ono no tuvo reparos en participar en la composición junto a Lennon. Con un estilo completamente fuera de la onda habitual de The Beatles en cuanto a dureza, y con una única frase repetida hasta la extenuación, los nueve minutos en los que John declara su pasión por su futura viuda terminan de la manera más abrupta posible cuando el instrumental parece estar a punto de culminar, con un repentino silencio.
La cara B comienza con otra estupenda producción de la pluma de Harrison, ‘Here Comes The Sun‘, una canción cargada de buen rollo y en la que de nuevo las tendencias que habían influído en sus anteriores discos se dejan entrever especialmente en la instrumentación. No obstante, es difícil considerarla en su justa medida si después escuchamos el siguiente corte, ‘Because‘, que con casi la única ayuda de un clave en sus primeras notas y las armonías vocales de John, Paul y George es capaz de crear una atmósfera casi eterea. La tónica general de esta cara, mucho más afín a sus últimas ideas, es continuadora de la tendencia más reposada y en ocasiones casi esperpéntica que habían encontrado en Yellow Submarine. Los cortes ‘You Never Give Me Your Money’, ‘Sun King’, ‘Mean Mr. Mustard’, ‘Polythene Pam’ y ‘She Came In Through The Bathroom Window’ componen casi una sinfonía en la que no pueden separarse en partes independientes.
‘Golden Slumbers‘, en cambio, tiene algo de ese ‘Hey Jude’, que había visto la luz un año antes, con ese toque inicial de nana que termina retornando al final para engancharse de nuevo a ‘Carry That Weight’ de la misma manera que los temas anteriores habían hecho hasta formar ese quinteto de canciones.
El final llega con ‘The End‘, la última canción que The Beatles grabaron juntos, y ‘Her Majesty‘, apenas 20 segundos que concluyen el álbum. ‘The End’ tiene un solo de cada uno de los integrantes, una auténtica despedida en la que sólo falta que John vaya presentando al resto de los músicos como se acostumbra a hacer en los conciertos.‘Golden Slumbers‘, en cambio, tiene algo de ese ‘Hey Jude’, que había visto la luz un año antes, con ese toque inicial de nana que termina retornando al final para engancharse de nuevo a ‘Carry That Weight’ de la misma manera que los temas anteriores habían hecho hasta formar ese quinteto de canciones.
Todo el disco está cubierto por una sutil capa de nostalgia, de despedida y deja una extraña sensación de conclusión, de finalidad conseguida y alcanzada. A pesar de que Let It Be tardaría unos meses en ver la luz, para muchos de nosotros, The Beatles estarán siempre caminando en el más famoso paso de cebra del mundo.
texto : https://hipersonica.com/the-beatles-abbey-road-la-genialidad-del-fin-de-una-era-22fed2744132
52. PAUL SIMON - "GRACELAND" (1986)
Graceland es el séptimo álbum de estudio del músico estadounidense Paul Simon, lanzado el 26 de agosto de 1986.
Fue un éxito, superando el UK Album Chart, y alcanzando el número tres en los EE.UU. en el Billboard 200. El álbum ganó los Premios Grammy de 1987 por el álbum del año, mientras que la canción que le dio título al álbum ganó los Premios Grammy 1988 por la mejor grabación del año. En 2007, se añadió el álbum para el Registro Nacional de Grabación de Estados Unidos , junto con otras 24 grabaciones importantes de ese año. Se incluye en muchas listas de álbumes "mejor de" y "grandes" que incluyen tanto las de la revista Rolling Stone y Time. (texto de Wikipedia)
53. PACO DE LUCIA - "FUENTE Y CAUDAL" (1973)
"Fuente y Caudal" marcó un hito en la imagen de Paco de Lucía además de por el éxito ,antes indicado de la rumba "Entre dos aguas" que fue incluida en el disco en el último momento, por la novedad de introducir en el disco, el acompañamiento de bongós y bajo eléctrico.
(texto de: https://www.horizonteflamenco.com/paco_lucia_2)
54. PEDRO GUERRA & ANGEL GONZALEZ - "LA PALABRA EN EL AIRE" (2003)
La poesía de desliza con facilidad entre las cuerdas de las guitarras y los acordes exactos, para llegar entonces cada palabra, cada suspiro, del propio poeta, convertido en cancion, al publico en general. Descubrimos a un Pedro certero en la musicalizacion, en ceder espacio a uno de los mas grandes poetas vivos (en ese instante) de la lengua Hispana.
Un disco intimo, que se escapa veloz, nos deja con ganas de mas. Sin lugar a dudas una maravilla a tener en cuenta, entre la difícil tarea de musicalizar a poetas. (O.P)
55. PLACIDO DOMINGO - "SIEMPRE EN MI CORAZON" (1983)
56. PEDRO GUERRA (JOAQUIN SABINA Y VARIOS) - "CIENTO VOLANDO DE CATORCE" (2016)
57. BRUCE SPRINGSTEEN - "BORN IN THE USA" (1984)
58. PINK FLOYD - "DARK SIDE OF THE MOON" (1973)
59. CHARLY GARCIA - "UNPLUGGED MTV" (1995)
60. AL STEWART - "YEAR OF THE CAT" (1976)
61. AMAURY PEREZ - "CANTA A JOSE MARTI" (1978)
62. ROY BROWN - "AIRES BUCANEROS" (1978)
63. WILLIE COLON Y RUBEN BLADES - "SIEMBRA" (1978)
64. OSCAR DE LEON - "CANTA LA MUSICA CUBANA" (1997)
65. WILLIE CHIRINO - "OXIGENO" (1991)
66. JUAN LUIS GUERRA Y 440 - "BACHATA ROSA" (1991)
68. TRACY CHAPMAN - "TRACY CHAPMAN" (1988)
69. BOB MARLEY - "LEGEND" (1984)
70. ANDREA BOCELLI - "ROMANZA" (1996)
71. LES LUTHIERS - "HACEN MUCHAS GRACIAS DE NADA" (1980)
72. ENYA - "THE CELTS" (1987)
74. JOHN DENVER - "THE VERY BEST OF" (1999)
75. FLEETWOOD MAC - "TANGO IN THE NIGHT" (1987)
76. JAVIER LIMON - "MUJERES DE AGUA" (2010)
77. CELIA CRUZ - "LA NEGRA TIENE TUMBAO" (2001)
78. CHARLES AZNAVOUR - "LO MEJOR DE" (2005)
79. MARIA TERESA VERA - "VEINTE AÑOS " (1958)
80. ABBA - "SUPER TROUPER" (1980)
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